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以下是含有當代繪畫的搜尋結果,共66

  • 第二屆現在展 匯聚台日繪畫之美

    第二屆現在展 匯聚台日繪畫之美

     長流美術館暨文教藝術基金會推展當代新藝術的創作與發展,匯聚台日繪畫之美與工藝之巧,與現在展實行委員會共同主辦「第二屆日本與台灣美術交流—現在展」,將於2/20-3/1在長流美術館台北館展出,並於2/22下午2點舉辦展覽開幕式。

  • 印尼當代抽象藝術 表現傳統敬天愛土

    印尼當代抽象藝術 表現傳統敬天愛土

    台灣作為南島語系的重要遷徙路徑與發展據點,殖民歷史也與東南亞頗有相近脈絡,在當代藝術的發展上,東南亞有著鮮明的區域辨識度,近年在各藝博會也逐漸被看重。 \n \n藝術評論者曾學彥指出,東南亞當代藝術,由充滿野性的原住民工藝系統與成熟的歐洲繪畫技巧,歷經世代交織而成,也由雅加達的印尼國家美術館可看出他們「以系統定位者的姿態,向全世界展示被殖民國度中卻蘊含能夠征服全球的藝術成就。」 \n \n印尼抽象藝術家韋耶諾維近日在台個展《詩意流轉》,從他的作品不難看出印尼藝術家的特有風格,韋耶諾維出生於擁有豐厚文化藝術資產的峇里島,使他累積了傳統繪畫技法與風格,例如多與印度教、神祇有關,線條重於色彩的卡瑪桑畫派的表現手法。多納藝術負責人陳如鈊指出,幾年前在雅加達藝博上收藏了二件韋耶諾維作品大感驚豔,便決定策展引介來台,「他在印度藝壇以鮮明的辨識度著稱,近年來並活躍在亞洲各大藝博會。」 \n \n一如印尼藝術家共有的使命感,韋耶諾維也認為在創作中向前輩風格致敬是重要的主題之一,他在靜物畫中養成的層疊、交錯、暗示線條與點描,在此次來台展出的《對語》系列立體作品中亦多有表現,陳如鈊表示,這系列立體作品是以鋅版製作,手工打造成酒瓶、水壼、茶杯等形狀,再將其視作畫布進行打底、上色,使物件的實體與繪畫構成的空間產生對應,具強烈的個人辨識性。 \n \n曾學彥指出,風景畫與靜物畫為藝術家習藝過程中重要技巧之一,培養所所處環境的觀察力與感受力,進而發展為對土地的情感表現,亦是抽象表現形式中相當重要的基底。韋耶諾維以繪畫說故事,訴說家鄉昂斯里的原始自然景觀下,又同時蘊藏人類與環境共生的精神,也訴說故鄉在自己生命中的意義。

  • 上古藝術辦旅法畫家張政維展

    上古藝術辦旅法畫家張政維展

     千呼萬喚!旅法當代藝術家張政維博士回臺首展「希望HOPE」,將於上古國際當代館(臺北市大安區建國南路一段160號B1)震撼登場!12月13日黑色星期五舉辦VIP預展,12月14日(周六)下午2時正式開展,展至2020年1月23日止。 \n 上古藝術造就知名膠彩之父陳永森、郭東榮、林世寶等眾多重量級畫家,為台灣這塊土地造就不凡的藝術人才。旅法當代藝術家張政維回臺首展選在上古當代館籌畫已久,他深深支持上古國際藝術挖掘臺灣好的藝術家的理念。 \n 張政維博士1963生於高雄,清華大學化學博士,1999年以一幅當代油畫作品「撞擊與流動」參加亞洲第35屆亞細亞現代美術展,獲「亞細亞交友會賞獎」,引起藝壇注目。2003年至2013年長達十年是其藝術觀的質變與提升期,十年間專心從事拜訪全球藝術大師、藝術遊歷及潛心創作;2004年拜日本近現代畫家柴原雪為師,學習油畫,隨後赴法國,得幸拜訪大師趙無極討教當代藝術的思想和繪畫技巧。 \n 值得一提的是,張政維在上海虹橋當代美術館2015展出作品「覺相」轟動一時,引起了市場投資者注目與熱議,作品也全被收藏,震撼藝界。本次於上古藝術展覽的「希望HOPE」作品散發出膨湃的生命力,傳遞生機盎然,讓「希望」的力量,用抽象的手段來表現主題, 藉由「澎湃的生命力」和生機盎然的奮鬥力,勾勒出一幅幅扣人心弦的作品。 \n 上古藝術總監陳虹安表示,張政維是當代藝術中的異數,色形應用大膽逆向思維成熟,是文學底蘊很深厚有內涵的藝術家。更多作品賞析:www.sogoart.com.tw。洽詢電話:0989-502-466陳特助、(02)2711-3577。

  • 安迪・沃荷POP ART 系列講座|沃荷作品憑什麼拍到5.69億美元?

    安迪・沃荷POP ART 系列講座|沃荷作品憑什麼拍到5.69億美元?

    文化創意產業通常只談文化幾乎避談產業,因為藝術家都有一種文人的自尊心,畏懼與商業掛鉤。著名策展人陸蓉之以她自身的創作與策展經驗中領悟到其實藝術就是商業,如果沒有「產值」不能說自己是文化「產業」。 \n2019 安迪·沃荷-普普狂想特展 POP ART在中正紀念堂開設展覽講座,第二場邀請陸蓉之到現場與我們一起探討-安迪・沃荷的作品憑什麼可以拍賣到高價? \n \n在討論到作品價錢前,陸蓉之先為安迪・沃荷作了特色描述,在人類的歷史上談到藝術沒有辦法迴避談論作品,而沃荷的作品直白到任何人都看得懂,那是因為他不追求空氣般高格調的精神,因此介紹安迪沃荷不需要特定的作品,因為他「整個人生代表了一個時代的藝術價值」。陸蓉之認為雖然沒有機會能夠拜見沃荷本人,但閱讀他龐大的作品與資料之後,很難不對他產生佩服之意。 \n \n當代藝術指的就是當下的時間,並非特定的風格與主張,即個人的人生時段即是當代,因此當代藝術指的就是每個時代的藝術思想與價值。 \n過往的藝術家並沒有被定義領域,如達文西,本身除了是藝術家也是建築師、物理學家、天文學家還精通解剖學,直至19世紀早期法國唯美主義運動的口號「藝術為藝術而做(Art for art's sake)」才被區隔出來。而pop藝術是來自於dada主義與超現實主義的變革,dada主義的精神在於「歸零」即否定歷史與藝術的藝術運動,在這之前藝術皆以追求真善美,而dada主義完全推翻這樣的主張,重新定義「美」-審美的價值觀在於個人,不是群體與多數。於是,跳脫圖面藝術的創作方式成為當代的主軸,讓唯美主義走入歷史。 \n \n屬於安迪・沃荷的當代即是受過dada主義薰陶的pop藝術時期,當代藝術家像獲得了各種表達方式的通行證,只要你敢作敢發表你就是藝術。繪畫的初始都是臨摹,因此臨摹、挪用、複製任何物件都是pop藝術合理的行為。陸蓉之笑說,這不是跟網路社群很像嗎?pop藝術和網路都沒有智慧財產的概念。不論創作者自己是網紅或是透過名人分享,只要能被大眾複製分享,就能爆紅,名利雙收。正好應證了安迪・沃荷的名言「In the future, everyone will be world-famous for 15 minutes.」 \n \n如此做自己的藝術呈現方式,安迪・沃荷影響了誰呢?同時代的草間彌生於1963年的一場紐約展覽中,以陽具元素點綴一艘划艇並在展室牆壁貼滿複印圖像。之後於1966年,沃荷同樣在展覽上運用牆紙,以絲網印刷複印母牛圖像,而他在後來的展覽中亦有採用相同的創作方式。不論同類型的創作方式誰先誰後,感情好的藝術家互相影響是必然的,雖然草間認為沃荷抄襲了她的手法,但沃荷奠定的基礎讓日後兩人走出不同的路,也是眾人能見的。 \n \n而Jean-michel Basquiat(巴斯奇亞)和Keith Haring在創作之路上也受到安迪・沃荷的提攜,雖然兩人都英年早逝卻為日後的街頭藝術奠定了完美的基礎。由此可見沃荷除了大方的擁抱商業,也溫暖的擁抱了藝術界的種子。之後也有許多相同類型的藝術家,踩著與沃荷相同模式的路,在屬於他們自己的當代藝術中發光發熱! \n \n其中Jeffrey koons擅長使用現成的事物做了材質或尺寸上的變化,重新排列成為自己的藝術創作品,作品爭議較大。 \n \nJeffrey koons利用與伊蘿娜・史特拉的婚姻宣傳自己的作品與名氣,做了系列作品參加威尼斯雙年展。如此擅長運用媒體的能力,被譽為安迪・沃荷的傳人 \n12 這件天堂般的藝術品首次由蘇富比紐約公司於1997年提供,落槌價14萬美元比最高估價高出17%。2009年,同一家拍賣行估計這件作品價格為300萬美元,超出了最初的價格,這件作品未能出售。 \n \n時至今日,現代的pop藝術傳人更重視延伸商品。以去年造成藝術拍賣會上重大事件的Banksy為例,紅色氣球小女孩在拍賣會上直接被切掉,卡在半途時碎紙機壞掉,使得碎一半的作品成為拍賣會上直接產生的新作品。24小時內Banksy重新上傳碎紙機測試影片,讓話題持續延燒,說他是安迪・沃荷的第三代傳人也不為過。 \n \nkaws其keep moving2012在拍賣會場上以百萬美元起跳,一發不可收拾。將pop藝術轉為潮流藝術 urbart更偏向街頭藝術不僅限於塗鴉,更趨於大眾生活的四周環境,不論城市還是鄉村。將kaws捧紅的即是全球藝人,由藝人追捧的結果造成粉絲經濟、流量為王的年代。 \n \n當代藝術是否有粉絲跟隨十分重要,新的時代已經不是一個人的英雄主義,是需要讓人願意分享、願意著懂傳承,且放棄曲高和寡的創作意識。反過來看即是沃荷為現在藝術開創了一條路,潮流藝術家只要存在,安迪沃荷的精神就永遠不滅!由此可證明,安迪・沃荷的作品可以賣到高價?無論是藝術面還是商業面考量,其作品被5.69億美元也只是剛好而已。 \n \n文章出處為城市美學新態度 \n \n

  • 《金融》集保當代藝術賞開跑,首獎祭30萬元獎金

    《金融》集保當代藝術賞開跑,首獎祭30萬元獎金

    集保結算所為培養新生代藝術家、提升學生藝術創作風氣及水準,宣布主辦「集思廣義.當代藝術賞」全國性藝術作品徵件活動,獲獎者的得獎作品將於集保辦公大樓新藝術展示空間展覽,且可獲得高額獎金及獎狀鼓勵,首獎獎金高達30萬元、總獎金共90萬元。 \n \n「集思廣義.當代藝術賞」由集保結算所主辦、中華民國藝評人協會承辦,活動旨在持續關注社會議題與藝文創作發展,鼓勵全國大專院校創作相關科系學生,以多元技法激盪創作花火,並透過藝術創作表達對全人類的愛與關懷,以及對社會發展的關注。 \n \n集保董事長林修銘表示,集保透過扶植金融人才、推動偏鄉教育及關懷社會弱勢等3大面向善盡企業社會責任,此次將觸角延伸到本土藝文領域,盼透過舉辦此次全國性藝術作品徵件活動,達成鼓勵青年學子藝術創作,發展全民生活美學的目標。 \n \n「集思廣義.當代藝術賞」即日起開始徵件,創作主題、型式、媒材不拘,歡迎大專院校相關科系學生發揮創意,利用平面繪畫(含油畫、壓克力彩、水彩、膠彩、水墨、彩墨、鉛筆畫及版畫)、複合媒材、雕塑、裝置藝術、錄像藝術、攝影、新媒體等形式呈現。 \n \n集保指出,此次報名徵件至8月15日,作品將經過3階段評審作業後選出10件優勝作品,其中首獎1件獎金30萬元、評審團特別獎1件獎金20萬元、優選作品8件每件獎金5萬元。活動預訂11月上旬舉辦頒獎典禮暨展覽開幕式。

  • 到上海博物館 一覽英國風景三百年

    到上海博物館 一覽英國風景三百年

    4月16日,上博二樓展廳正在進行緊張的佈展階段。來自泰特不列顛美術館的工作人員正在對油畫《演奏大提琴的約翰.查菲牧師》進行點交工作。4月27日起,《心靈的風景:泰特不列顛美術館珍藏展》的71幅作品分為五大板塊將在這裡展出。 \n \n上博副館長李仲謀表示:這一展覽已經籌備三年之久,展覽跨度三百年,對於英國風景畫進行了一次系統梳理,讓國內觀眾對於除了大名鼎鼎的透納、康斯太勃爾以外,瞭解更多的英國風景畫家。 \n \n正在點交的《演奏大提琴的約翰.查菲牧師》正是整個展覽的第一幅作品,也是最早的一件作品,由英國最成功的世俗肖像畫家庚斯博羅創作於1727年。畫中的查菲和畫家本人一樣,是一位牧師,也是一位業餘音樂家。畫面的背景描繪的是一片虛構的風景,由陰沉的天空、湖泊和遠山構成,而牧師正坐在一棵樹下。他將大提琴置於雙膝之間,身後是一只爬滿常春籐的大缸和一間神廟,廟裡有一座手執里拉琴的人物雕像,以強調這幅肖像畫所要表現的音樂主題。這一時期還是以肖像畫佔據主導,風景繪畫只是充當肖像畫的背景角色。正如在《演奏大提琴的約翰.查菲牧師》這幅作品中,畫面的風景其實只是畫家虛構的。 \n \n另一件已經懸掛在牆上的作品是約翰.康斯太勃爾的《戴德姆的水閘和磨坊》。這幅未完成的室外寫生油畫底稿是另三幅已完成畫作的基礎。這幅畫展現了斯陶爾河上一座麵粉磨坊前的水閘,磨坊的主人正是藝術家的父親——他是一位富有的磨坊主、農民和商人。另外還有糧倉、碼頭、村舍和中世紀的教堂,它們都被畫在紅褐色的襯底上。值得注意的是,畫面中湖面的白色反光部分是康斯太勃爾獨創的用鉛白色的高光來表現水的反射,因而這一技法被稱為「雪花技法」。這位畫家還是一位癡情男子,為了迎娶自己的心上人,舉辦一個像樣的婚禮,他不得不大量接單畫畫,過度勞累,也因此導致他英年早逝。 \n \n大家最為熟悉的英國畫家透納,在佈展第一天中也只是開箱露出了冰山一角。這幅作品叫做《格里松山的雪崩》,它的焦點在於坐落在瑞士的格里松山上正發生著的雪崩,大量冰礫傾瀉而下。據介紹,1802年,透納雖然遊覽過此地,但他的創作靈感很可能來自關於1810 年格里松山發生的雪崩導致25人死亡的一系列報導。另外,透納也從盧戴爾布格有關雪崩的畫作中受到啟迪,意圖刻畫出冰塊與岩石豐富的質感與紋理,以期向觀眾傳達壯麗大自然所蘊含的一種令人敬畏和毀滅性的力量。透納曾經在歐洲進行了廣泛的遊歷,繪製了大量素描和水彩作品。如同該作品,透納往往在展出自己的作品之時,還配上自己創作的詩歌,為作品的意像帶來更加深層與悲觀的含義。 \n \n英國有個當代藝術大獎就叫「透納獎」,它也是世界上引起爭議最大的當代藝術獎項之一。透納獎由泰特當代藝術館創辦。此泰特非彼泰特,這次來華展出的則是泰特不列顛美術館,是一座典藏在建築裡的英國藝術史,也是英國泰特四座美術館最早的展館,於1897年由亨利‧泰特爵士創立,起初主要收藏亨利.泰特爵士贈送給國家的十九世紀英國繪畫和雕塑,以及一些從國家美術館轉移而來的繪畫。當代的藝術收藏品現在也已被該館列入了收藏範圍。如今,泰特不列顛美術館以收藏和展示十五世紀迄今的英國繪畫和各國現代藝術著稱,其收藏的透納作品,基本可算是世界上最完整的。 \n \n值得一提的是,這次展覽入口處可以稱得上又一自拍剪影聖地。上博以燈箱形式呈現了泰特不列顛美術館入口最有特色的螺旋形樓梯。走進展廳,就彷彿走進了泰特不列顛美術館。兩側的風景畫面在燈箱的映襯下,顯得極為迷人。再透露一個不易察覺的小細節:在這次展覽中,上博首次以霓虹呈現展名,配合燈箱也是一道小小的英倫風。

  • 元智教授沈禎 退休前舉辦繪畫暨郵票之美特展

    元智教授沈禎 退休前舉辦繪畫暨郵票之美特展

    元智大學藝術與設計學系沈禎教授,將於12月9日至24日在台北郵政博物館舉辦「郵情游藝」個展。這次展覽,是沈禎教授退休前的展覽;加上中華郵政有意繪製其發表的紅樓夢郵票,以及「2016中華名人郵票(胡適、錢思亮、吳大猷)」郵票,並藉此機會展示。 \n \n元智大學藝術與設計系教授沈禎表示,這次展覽是元智人文社會學院院長丘昌泰發起,希望在明年初退休前再舉辦一次展覽。 \n \n沈禎繪畫逾四十年,擅長水墨人物,兼擅水彩、油畫與漫畫,作品多以當代人物為題材。此次「郵情游藝」的展出,除了沈禎近年來為中華郵政公司繪製的「紅樓夢」郵票,與2016中華名人郵票的原作外,還有沈禎的水墨畫近作、鉛筆畫等四十餘件。 \n \n沈禎創作的理念,一貫以真美善的關照來展現人生,喜歡從生活中尋找人性中的美善與真誠,所以日常生活的所見、所感,都是靈感的泉源。沈禎希望藉由作品,讓觀賞者也能共享人性美善的愉悅。 \n \n沈禎,西澳洲伊迪斯‧柯文大學視覺藝術博士。曾任淡江大學駐校藝術家、醒吾科大李奇茂美術館館長;亦曾任教於政戰學校藝術系、台灣藝術大學美術系、淡江大學通識中心等。現為中國孔學會、中華畫學會副理事長。國內外舉辦過百餘次個展及聯展,其水墨大畫「中華聖母」於2012年11月獲梵蒂岡教廷典藏,並永久陳列於梵蒂岡克萊蒙八世大廳(Clemens VIII)。沈禎其他創作亦屢獲國內外許多公私立文化機構典藏,出版畫集十餘冊。 \n

  • 樂高變藝術品 秀宜蘭創作能量

    樂高變藝術品 秀宜蘭創作能量

     樂高積木、小孩子的玩具也可以化身成為獨特的藝術品!宜蘭縣政府文化局即日起至24日,在羅東文化工場舉辦「2017藝術遨翔計畫in宜蘭—記憶的形狀x玩世悠悠.Toys Diculous」藝術展,邀請游原一、李政勳、黃羿欽、黃士綸及游孟書等多位宜蘭藝術家展出豐富的作品,非常值得一探究竟,感受現代藝術之美及不同的內涵。 \n 此次「2017藝術遨翔計畫in宜蘭」雙展覽有兩檔,位於天空藝廊A廳是由游原一策展,帶領3位宜蘭新銳藝術家李政勳、黃羿欽、黃士綸共同展出<記憶的形狀>,展現青年藝術家開創繪畫藝術語境的潛力。創作者們嘗試以繪畫回應當代創作的觀視課題、自我生活的處境,有別於西方現代抽象繪畫對於形而上世界的精神表述,關注於繪畫材質、筆觸等物質性,並藉由抽象創作展現當下社會隱微的脈動與台灣創作者活力盎然的多元風貌。 \n 位於天空藝廊B展廳則是游孟書個展<玩世悠悠.Toys Diculous>,展覽名稱「玩世悠悠」是把「玩」具、「世」界、及荒謬「悠悠」3個詞語結合起來,希望將原本透過玩具所傳遞的文化、價值觀、社會認知等,成為大家可以再議論的內容。 \n 其中「Lego系列」作品,是游孟書以積木玩具透過匾額式的宣言手法,將人內心不能處理的字眼,透過顏色反差來呈現出矛盾感,並試圖從藝術品材質的轉換來重新定義「玩具」。

  • 玩具變成藝術品  羅東現代藝術之美

    玩具變成藝術品 羅東現代藝術之美

    樂高積木、小孩子的玩具也可以化身成為獨特的藝術品!宜蘭縣政府文化局即日起至24日,在羅東文化工場舉辦 \n「2017藝術遨翔計畫in宜蘭—記憶的形狀x玩世悠悠.Toys Diculous」藝術展,邀請游原一、李政勳、黃羿欽、黃士綸及游孟書等多位宜蘭藝術家展出豐富的作品,非常值得一探究竟,感受現代藝術之美及不同的內涵。 \n \n宜蘭縣政府文化局表示,藝術遨翔計畫從去年起開辦,主要目的在鼓勵縣籍及在地創作者,能有更多機會及場地展現出多元與豐富的創作,今年共徵選展覽5件計畫,以個展與策展等形式,讓宜蘭子弟能有專業的藝文舞台,展現出當代藝術,並孵育更多宜蘭特色的藝術能量。 \n \n此次「2017藝術遨翔計畫in宜蘭」雙展覽有兩檔,位於天空藝廊A廳是由游原一策展,帶領3位宜蘭新銳藝術家李政勳、黃羿欽、黃士綸共同展出<記憶的形狀>,展現青年藝術家開創繪畫藝術語境的潛力。創作者們嘗試以繪畫回應當代創作的觀視課題、自我生活的處境,有別於西方現代抽象繪畫對於形而上世界的精神表述,關注於繪畫材質、筆觸等物質性,並藉由抽象創作展現當下社會隱微的脈動與台灣創作者活力盎然的多元風貌。 \n \n位於天空藝廊B展廳則是游孟書個展<玩世悠悠.Toys Diculous>,展覽名稱「玩世悠悠」是把「玩」具、「世」 \n界、及荒謬「悠悠」3個詞語結合起來,希望將原本透過玩具所傳遞的文化、價值觀、社會認知等,成為大家可以再議論的內容。 \n \n其中「Lego系列」作品,是游孟書以積木玩具透過匾額式的宣言手法,將人內心不能處理的字眼,透過顏色反差來呈現出矛盾感,並試圖從藝術品材質的轉換來重新定義「玩具」。

  • 台北藝博會開幕   參觀人次估6.5萬人

    台北藝博會開幕 參觀人次估6.5萬人

    ART TAIPEI 2017台北國際藝術博覽會今(19)日開幕,匯集123家來自15個國家的頂級畫廊,以「亞洲視野」為主軸、「私人美術館的崛起」為年度主題,梳理亞洲當代藝術新風貌,回應全球藝術市場新變化。文化部樂觀預估,4天展期參觀人次上看6.5萬人,較去年成長近2成。 \n \n文化部長鄭麗君表示,Art Taipei是亞洲前3大、歷史最悠久的藝術博覽會,不僅是藝術產業的指標,更是思想與文化交流平台,從中可看到當代藝術趨勢和時代精神。本屆藝博會強化主題展覽,在「台灣現代繪畫群像展」重新梳理從陳澄波到蕭如松等18位二十世紀臺灣美術前輩作品,「MIT新人推薦特區」則呈現年輕藝術家對當代生活和世界藝術的反思。 \n \n鄭麗君指出,文化部正在進行2項藝術相關工程,一是重建藝術史計畫,致力於文化扎根,二是在空總文化實驗室成立當代藝術實驗室,探索藝術文化的近未來。讓藝術從文化的慣性中走出,促成跨域結合,開展當代自由奔放的精神。讓臺灣的藝術能不斷地與世界對話。 \n \n今年台北藝博會規劃4大展場:1.「藝廊集錦」主展區再現國際雙年展及美術館等級的藝術創作;2.「新秀登場」 及「MIT新人推薦特區」以海內外新銳藝術家的作品為亮點;3.「藝術前線]聚焦於突破傳統與創新媒材的趨勢;4.大型公共藝術為主的「藝景無界」,重新定義藝術作品與公共空間的關係。 \n \n晝廊協會理事長鍾經新表示,本屆藝博會也規劃安排國際藝術論壇,5場的藝術講座、11場的藝術沙龍,也結合文化部、教育部合辦文化體驗教育,在展會期間帶領學生來體驗藝術之美。 \n

  • 盧俊翰視創作如遊戲!「被誘惑的夢遊者」窺心像宇宙

    盧俊翰視創作如遊戲!「被誘惑的夢遊者」窺心像宇宙

    在一個慵倦的夜裡,我進入黑暗伴有閃爍的空間中,像是在宇宙中,漂浮著想找個依靠,此時此刻繪畫的元素都紛紛浮現出來,於是我知道那是我腦海裡的小宇宙。~盧俊翰。當代館廣場上顯眼的紅色貨櫃新春穿上新衣,以繽紛的彩繪創作,為當代館開啟另一處新藝文展演空間—MOCA Cube。這次邀請當代藝術家盧俊翰詮釋他的心像宇宙。 \n \n●如夢遊者陶醉於MOCA Cube \n本次於MOCA Cube的個展,盧俊翰試圖將這場能量的探索比喻為藝術創作的歷程:創作者就像浮游在黑暗宇宙裡的夢遊者,偶爾被遠方星球所發散出的微微光芒所吸引;四周的晦暗隨著忽明忽暗、或清晰或模糊的光點,譜出迷幻絢爛的星象風景,而夢遊者也因此陶醉其中、無法自拔。 \n自喻為【被誘惑的夢遊者】, \n \n盧俊翰認為創作就像一場充滿魅力的遊戲,因為對遊戲感到好奇,便情不自禁地為之吸引,並進入其中探險、遊歷。透過盧俊翰的現地彩繪創作,不僅讓觀眾得以一窺藝術家造夢的過程;在作品完成後,觀眾也能進入貨櫃空間中,感受藝術家腦海中的心像宇宙。 \n \n●當代館新春新氣象:空間微改造 \n台北當代藝術館自2009年起,陸續策劃了一系列藝術進入社區的展覽活動,從【南西當紅‧中山印象】系列展覽,到每年中秋佳節前後固定舉辦的【街大歡囍】社區藝術節,期盼走出美術館的圍牆,讓大眾在日常生活中與藝術自然不期相遇。 \n \n今年起,台北當代藝術館推出嶄新展覽項目—MOCA Cube,邀請青年藝術家進駐廣場貨櫃微型空間進行現地創作,不僅與既有的藝文空間串連發酵、增加展覽的多元性及開放性,也藉由配合周末廣場活動,邀請在地居民同歡之餘,也從中認識當代藝術的旨趣關聯。 \n \n除戶外新展演空間外,當代館館內公共空間亦重新規畫,原本的售票大廳與活動大廳互相置換,藝術商店則轉至半開放空間,並再現紅磚建築上的玻璃窗戶,引進自然光源,將公共空間轉化為舒適、自然的休憩環境,帶給參觀者清新舒適的觀展體驗。 \n \n【MOCA Cube被誘惑的夢遊者—盧俊翰個展】 \n時間:2/18(六)起至5/21(日) \n場地:台北當代藝術館廣場 \n

  • 黃贊倫遊走真實與虛擬!機器人大舉突襲當代館

    黃贊倫遊走真實與虛擬!機器人大舉突襲當代館

    科技臉孔的人頭卻有馬身,看似毫無表情的臉卻拿著槍指著你!這是科技對人的反撲或是另場世界大戰的預警?台北當代藝術館實驗展展出【不曾到來的未來─黃贊倫個展】,藝術家意圖將人類最初對於「即將到來」的世界(yet to come),推衍成一種「尚未到來」的待續狀態,不斷誘引我們去期盼下一個將臨的文明。 \n \n真實與虛擬間營造未來的想像 \n \n藝術家黃贊倫置換不同時序下的空間與立場,將虛擬與真實並置,讓未來與現今交錯。邀請觀眾穿越至未來且置身其中,去覺察文明演進的過程中,我們該如何對未來進行想像與押注。 \n \n作品《標本》一詞意味著已過去/曾經過往的留存之物;但此作品中,被封存在古典容器內的標本,卻是一個現今仍然無法經驗的機器人,隱喻人類試圖去遙想的未來,終究得面對被歷史化的一天,觀眾因此被啟發想像「未來的未來」究竟會如何發展。 \n \n機器人大舉突襲當代館 \n本次展覽場域中的作品,無論是平面繪畫、動力機械,或是空間及錄像裝置,皆以「機器人」的形象呈現,活潑且逼真,例如《搖搖馬》被設定每15分鐘,會舉起手持的二次大戰武器,做出預備開戰的姿勢,觀眾彷彿成為戰場槍下的掠物。 \n \n這些為了代替我們贏取未來所建造的機器人們,它們的使命於本展中不再是為了上戰場爭勝,而是被視為講述與紀錄未來戰爭歷史的重要文物。黃贊倫藉由作品強調,不論過去、現在、未來,及即將到來的未來,這些機器人的存在,雖持續被研發革新,但人們在應對虛擬化的科技世界裡,仍然抱持著勇氣與毅力,實屬難能可貴,從新作《天堂路》中即可充分看出。 \n \n創作與人道關懷接軌 \n黃贊倫長期觀察科技文明對於社會的影響,創作擅長機械合體及混種等手法,探討戰爭和新制武器等議題。從作品《搶灘》和《控制》即可窺見一斑,特別是《控制》,藝術家有意將真實的馬與機械兩者融合,模糊了真實血肉與機械複製的界線,重新定義生命。歷史上馬做為重要的戰爭工具,牠被人類操控為戰爭工具的形象,意指現今許多研發的新制武器,多淪為戰爭使用之途。黃贊倫的【不曾到來的未來】個展,關注社會層面議題,從人的思維出發,藝術的角度去發揮深層的人道關懷,盼能喚起觀眾的群聚意識,真切地思考未來社會的走向。 \n \n【不曾到來的未來─黃贊倫個展】 \n時間:2017 / 1 / 21(六)-2017 / 03 / 05(日) \n場地:台北當代藝術館實驗展場 \n

  •  打破東西藩籬!阮文盟玩金工、跨雕塑 當代館訴新美學

    打破東西藩籬!阮文盟玩金工、跨雕塑 當代館訴新美學

    如人形面具的的藝術品展示在當代館中,黃銅色金屬上有切碎的幾何、鑲嵌著3塊翡翠交相輝映,堅決霸氣裡不失時尚。在藝術領域裡,沒有所謂不能使用的材料、跨領域結合也能創造新生命!時序秋冬,當代館也有新氣象,推出【超金工.後雕塑─阮文盟個展】,從金工、雕塑合體、繪畫、手稿、影像紀錄中完整呈現旅德藝術家阮文盟二十年來的心路歷程和藝術脈絡,看藝術家如何打破東西文化的藩籬,,玩出獨特的個人美學新觀點,為台灣當代金工雕塑引領創新思維。 \n \n從「首」到「飾」阮文盟跨領域、跨文化、跨時空的多樣性格 \n \n當今首飾可能是時尚元素為首,藉由首飾點綴凸顯美感與個性,然首飾下可能也藏有另一層深意,對情人們而言,成雙成對的戒子裡有彼此濃得畫不開的愛意。然對於藝術家阮文盟而言,「首飾」的意義跨越美學藝術、涵蓋人生。「首」為起點,「飾」的美化是一切美的開始出身台灣,旅居德國多年的阮文盟擅長跨界整合設計,其創作橫跨多項領域,小至金銀細工的珠寶與首飾設計,大至與建築結合的壁飾、環境景觀及純粹雕塑,部分經典代表作品也於本次展覽中呈現。 \n \n金屬戒指〈時空界面〉穿透你我 \n \n走在當代館前時,赫然發現一個巨大純然雕塑化的金屬戒指,這是阮文盟為這次當代館所製作的大型裝置藝術〈時空界面〉。作品表面經過鏡面處理,晴空照耀下透露著閃耀金光,透明鏡面下也反映往來民眾的身影、當代館的建築風貌,同時更巧妙地融入了公共空間,讓藝術跨越作品本身的呈現方式,自然貼近民眾的生活場域,成功傳達阮文盟豐富多元的藝術風格。 \n \n注重人本精神的金工美學 \n \n金工是阮文盟創作的泉源,是他哲理思考的結晶,更是人生歷練的整合。對藝術家而言,透過了解他的作品,即可反映出其獨樹一幟的風格和思維;因此在本展中,阮文盟陳列了以個人心象和生活感受為出發點的〈時空旅人〉、〈金工旅人〉、〈心靈能量〉等系列。 \n \n值得一提的是,除金工創作外,展場裡還有不同大小的設計模型與圖案原稿,其中含括了其創作發想階段的部份手稿,如物象的速寫和心象的塗鴉等,皆為其創作靈感的母源,每個創作步驟精細地鋪陳藝術家這二十年來思想的軌跡,民眾能從金工雕塑的精密嵌合,窺見他嚴謹的思考脈絡,更透露出阮文盟注重人本創作始能提升金工的美學內涵。 \n \n源自自然的南島情懷 人與自然融入藝術 \n \n阮文盟特別愛運用南洋島嶼的自然元素,這次帶來的〈南島原鄉〉、〈亞熱帶理性〉、〈熱帶風情〉、〈伊甸園〉等作品,不難發現其色彩、圖騰及造型都源自大自然,經由其創意的解構組合,將當地原鄉環境、生活物種和人文特徵圍繞呈現在作品上,讓人自然而然地與熱情、多樣、充滿希望的亞熱帶地景做緊密的連結。 \n \n \n本次【超金工.後雕塑】個展,除了藝術性和技術性的思考,阮文盟二十年來不斷地省思自己的身分與定位,在長年旅居的德國文化與自己出生的根源文化之間,不斷比較探索,同時也吸收、融合東方注重精神內涵的美學,以及西方外在實體的藝術表現,發揚金工與雕塑本質上的魅力。 \n \n【超金工.後雕塑─阮文盟個展】邀您見證台灣當代金工雕塑新魅力! \n時間: 10 / 29(六)~/12 / 4(日) \n場地:台北當代藝術館實驗展場MOCA Studio(台北市大同區長安西路39號) \n

  • 游守中創作脈絡 長流美術館全記錄

    台灣知名畫家游守中將文學訴諸思想情感的豐富性,藝術結合情與景的視覺驚艷正如人類情感的低吟,蓄積了多年的創作能量游守中,也在長流當代美術館桃園館成立藝術空間。 \n 1965年出生於台灣雲林、畢業於復興崗學院藝術系,美國密蘇里州Fontbonne University美研所藝術碩士。曾擔任過南投縣政府文化局局長、現任南開科技大學文化創意設計系系主任、毓繡美術館副館長、山東藝術學院、廈門大學藝術學院客座教授,在海內外個展數十次,作品跨越國界。 \n 游守中長年專注於現代繪畫的創新與教學,繪畫創作風格獨具,尤其長期對水墨畫領域的專研,兼具深厚的水墨繪畫功力、中西繪畫觀和技法融合下在創作的過程中經常反映國內外當代社會風土民情與人文思想,近年更結合立體銅雕、銲鐵創作,成為多元的藝術創作跨足傳統與現代。 \n 蓄積多年的創作能量,今年游守中和長流美術館建立長久合作關係,7月成立「游守中藝術空間」,設址於長流當代美術館桃園館內,完整保存游守中地的創作脈絡。 \n 後續將規劃在1年內成立財團法人游守中文化基金會,並籌劃國際巡迴展、2017年4月的山東美術館個展,同時並舉辦相關學術研討會,在歐洲、亞洲巡迴展。1050731 \n

  • 兩岸名家以畫會友 中西輝映各擅勝場

    兩岸名家以畫會友 中西輝映各擅勝場

     繪畫藝術一如音樂,獨樂樂不如眾樂樂,日前於桃園長流當代美術館的會員交流聚會上,來自大陸西安與台灣的三位藝術家以畫會友,進行了一場精彩的畫藝交流盛會。 \n 來自陝西西安的趙瑞安老師,為西安市花鳥畫院院長,作品以花鳥為主,亦兼擅人物山水。趙老師創作以畫羊最知名,兒時曾牧羊的經歷,羊兒的形象深映腦中,他的筆下援筆立就,山羊形象鮮活展現。 \n 展現書畫造詣的李元慶老師,台灣師範大學美術系、研究所畢業、法國巴黎高等美術學院研究,其創作細膩豐厚以藝術性見長,在整體氛圍中自在寫心,他也是百年海外華人繪畫大觀參展藝術家之一。 \n 西畫部分,則由楊源棟老師彩繪一幅風景。楊源棟雲南騰衝人,臺灣師範大學教育研究所畢業,自教職退休後,三十多年全心創作。其油畫色彩厚實,畫風純樸自然,把台灣景物表現得入木三分,受邀請參加國內外聯個展百餘次,即將參展下屆藝氣風發藝術展。

  • 視窗多面向應用-墨彩山水如何反映時代

    視窗多面向應用-墨彩山水如何反映時代

     「視窗山水」把中國傳統墨彩畫面、現代墨彩畫面、當代現實情境畫面,藉由書法筆墨統合起來,成為藝術整體,反映時代。 \n 中國墨彩山水畫,始於三國隋唐,成熟於唐末五代,是反映時代思想精神及美學品味發展的最佳溫度計,發展至今,大約經歷過三大轉變。 \n 五代至北宋初期,是中國山水畫史上第一個藝術風格爆發期。此一時期,山水畫在構圖上,由模擬紀實式的通景,轉化入賓主分明的造景;在主題上,則由歷史、掌故、敘事,轉向興懷、寓意、抒情;在技巧上,以水墨表現為主,以鉤彩敷色為輔。「外師造化,中得心源」的美學原則,在畫家紛紛創造自家獨特的商標皴法及畫法下,得到充分的實踐。 \n 五代至北宋初期 \n 例如李成(919~約967)〈讀碑窠石圖〉,董源(約920~約990)的〈溪岸圖〉、〈寒林重汀圖〉與趙幹(約930~約1000) 的〈江行初雪圖〉,各有各的招牌畫法,一望即知,畫中的人物活動頻繁,時有重要人物出現,穿插在生動的山水草木之間,形成一種介於掌故、敘事與抒情之間的山水畫。 \n 稍後,巨然(約935~約1000) 的〈蕭翼賺蘭亭圖〉,范寬(約950~約1032)的〈谿山行旅圖〉,郭熙(約1000~約1087)的〈早春圖〉,除了各有各的招牌畫法外,畫中的人物,多半為無名小卒,活動不多,有時根本不見人物,只靠亭台樓閣、小橋舟楫點綴於山水畫中,暗示人物的存在,全畫以山水草木為主,走上了寓意、抒情的道路。 \n 像〈蕭翼賺蘭亭圖〉這樣有名的歷史故事畫,在巨然的筆下,居然完全不見刻劃個性鮮明的主角之間,所產生的戲劇性關係,只有點綴式的概念人物,在山水屋宇溪橋間,低調出場,人物之間的聯繫,簡單又鬆散,與畫中山石樹木連環緊湊的造型筆墨關係相比,實在不可同日而語。由此可見墨彩山水畫中,敘事故實告退,興懷之風漸起,抒情方滋,寓意流行。 \n 北宋中期及南宋 \n 北宋中後期的山水畫,大體上反映了宋儒「格物致知」的思想,把唐張璪的「外師造化,中得心源」,進一步深化為:於外,超越師法自然之形,詳細探究自然之理,是為「格物」;於內,超越外在客觀的感受,進入內在主觀的抒發,是為「致知」。沈括在《夢溪筆談》中,更進一步指出,畫家甚至可以「造理入神」;蘇軾主張「江山如畫」,最能反映此一藝術應該獨立造化之上的美學趨勢。 \n 南宋承繼北宋,在山水畫的「詩畫相發」上,多所探究,以邊角式或巴洛克式的構圖,發揮「以局部暗示整體,以有限象徵無限」詩歌特質,讓圖像記號系統的製作與創造,向文字記號系統的製作與創造傾斜,同時也間接反映了南宋偏安江南的政治現實。 \n 元明墨彩山水畫 \n 元代墨彩山水畫,因「九儒、十丐」的社會等級區分,及慎密文網的牢籠,令文人儒士們的壓抑積鬱,在山水畫中勃發而出,畫家借用「書法線條」的複雜運用,得到直抒胸中逸氣的出口,既可借外物之形而「格物致感」,也可棄外物之形而「造理致感」。元人山水畫,在構圖上,綜合南北兩宋,或極簡之,或極繁之,或用「堆推法」中庸之;在筆墨運用上,一反成法,主張「先從淡墨起,可改可救,漸用濃墨者為上」,導致〈富春山居圖〉這樣「即興補訂對照修改式」的山水畫,以劃時代之姿興起;在美學上,繪畫要有「古意」的觀念出現,遂使宋代江西詩派「無一字無來歷」的主張,成為元畫「無一筆無來歷」的濫觴,使繪畫創作,進一步向詩歌文章創作法靠攏,開啟了影響深遠的「文人畫」傳統,反映了時代的苦悶、危機與希望。 \n 明代墨彩山水畫,在綜合宋人丘壑與元人筆墨的原則下,一方面以導遊或旅遊紀念品式的《遊名山記》(都穆1458~1525)、《西湖遊覽志》(1547)、《海內奇觀》(1610)、《天下名山勝概記》(1631)、反映了物質發達、旅遊興盛的「富裕社會」現象;一方面也以奇幻變形山水,反映了王守仁「心學」的浪漫主張,以及求奇求怪的美學風氣。到了明末清初,因為陽明心學大盛,黃山旅遊及繪畫隨之興起,西洋畫也在此時傳入,促成了畫史上第二個藝術風格爆發期的出現,正好即時反映了上述兩種需求的迫切。 \n 清代的瑰怪之作 \n 清朝康乾嘉道時期,樸學大盛,考證之風興起,墨彩山水繪畫,多半在「古意」中討生活,不斷的與古代藝術大師,從事充滿文化歷史感的對話,成了許多畫家一致的創作目標。旅遊描繪黃山奇峰的高潮不再,題材形式求奇求怪之狂飆不再。反而是花鳥畫,有重大突破與發展,在「揚州八怪」的筆下,清奇瑰怪之作再現。 \n 清末戰禍不斷,1840年中英鴉片戰爭之後,西潮東漸,革命軍興,科技發達,墨彩山水畫,不得不面對工業時代,產生巨變。中國墨彩畫史上,第三次藝術風格爆發期,在此一階段,應運而生,一直發展至今,已有一百七十多年的歷史,以爆發在1940年左右的二次世界大戰為分水嶺,可分為「戰前世代」與「戰後世代」。 \n 戰前世代的異變 \n 戰前世代畫家,面對民族主義、民族國家與工業社會的興起,革命活動四處爆發,反傳統成為時尚,追求民主與厲行極權激烈對抗,結構主義思考模式風行,藝文現代主義當道,為藝術而藝術成為主流。 \n 在時代如此快速變遷之下,有些畫家,以傳統墨彩山水畫為基礎,引進西洋水彩素描寫生、東洋膠彩素描寫生,形成畫派,是為一變。 \n 有些畫家,受西洋現代主義、抽象畫派的啟發,同時也受到東洋畫「朦朧體」的影響,在墨彩山水畫中,發展出一種潑墨潑彩流動式的山水;或實驗出一種朦朧漂浮縱橫不定的戰亂山水,是為二變。 \n 還有些畫家,深入墨彩山水的「古意」傳統,承先啟後,或以亂柴積墨積彩之法,創造深入山心的暗夜山水,墨色陳厚,光華燦爛;或以「童年經驗」與「古意」結合,開發出新文學式的浪漫山水,是為三變。 \n 有些畫家則回歸「外師造化、中的心源」的傳統,以切割式或細點式的造型與筆法,或濃彩、或重墨,與親歷的山水經驗對話,經營出有如造山運動的進行式山水,是為四變。 \n 更有畫家,直接使用西洋畫法,創造西洋式的作品,在西方藝術傳統中,或繼承,或變奏,或更新,同時以中國藝術元素為點綴,是為五變。 \n 戰後世代的目標 \n 戰後世代的畫家,熬過東西冷戰的興衰,經歷並參與廣告消費社會的快速崛起,面對後工業社會及多元化、全球化社會的來到,見證後結構主義、解構主義、後現代主義先後茁壯盛行,全球化及地球村的概念迅速展開,體認環境及大氣汙染加劇,感受地球暖化及數位化互聯網到處蔓延。在這樣的成長及發展背景下,畫家們在思考方式、美學認知及創作方向,都有前所未有的體驗。 \n 戰後世代畫家的普遍特質如下:在藝術主張上,大家普遍皆能超越「為藝術而藝術」及「為社會而藝術」的對立;對「歷史的終結」與「藝術史的終結」的說法,亦有基本的認識;對多元化商品社會運作方式的利弊,開始有了一定程度的了解;對不同文化之間的深層交流與對話,漸有進一步探討的興趣與初步的準備;對全球互連網的強大功能與無窮潛力,更是有深刻的體認與展望;對科技發展及全球化所帶來的諸多惡果,也有驚心的自覺與相當的警惕。 \n 在這樣的基礎上,墨彩山水畫的發展,無可避免的,要誠懇面對、反映並處理上述諸多「當代」問題,畫家在美學態度上,在創作思考模式上,都必須提出新的策略與方法,讓理論與創作,相輔相成,完成戰後世代的基本藝術工作目標。 \n 興之美學再出發 \n 以我個人而言,面對當代社會及藝術的諸多問題,在美學上,我所採取的態度是「興之美學」的再出發;在創作思考模式上,我所使用的是繪畫「主題/補充評論」式的記號學方法。繪畫「主題/補充評論」的理論,源自於晚近中國語言學研究,認為中國語文是一種「主題/評論」式語文,其句法在「主題」確定以後,可以不斷的對此一「主題」做各式各樣的評論,而評論之間的關係,可以是「賦」(敘事/描形),可以是「比」(比喻),可以是「興」,主從次序一目了然,完全無須標點符號,上下文脈意義井然。 \n 不過「主題/評論」的語文句法中之「敘事」與「比喻」,到了繪畫中,就必須轉變為以「興之美學」為主的「主題/補充評論」圖像句法。在繪畫中,一旦「主題圖像」確定,其他圖像必須以補充並列的方式,隨「主題圖像」並列展開,而「主題圖像」與「補充評論圖像」,都必須倚靠「筆墨」或「書法」來完成繪製。如此一來,書寫、文字、圖像,三者合而為一,可以同時傳達「言外之意」與「畫外之意」。 \n 這也就是說,畫家可以運用「筆墨/書法/文字/圖像」,讓「主題圖像/文字」與「補充評論/文字」,呈現各式各樣的「興」之並列與對比,傳達「言外之意」與「畫外之意」。這樣的表現方式,如與互聯網上的多重「視窗」功能相對話,便能產生一種新型式的墨彩山水畫。 \n 多視窗同時並列 \n 「視窗山水」可以同時並列,與現實山水相關畫面之正面、側面、空照面、解剖面、宏觀面、微觀面、時間面、理性面、非理性面、超現實面、科學面、神話面、政治面、農業面、工業面、後工業面、文化面、古畫面、現代畫面……等等,無窮的面相,可以結合傳統芥子園式的繪畫語言、當代創新的繪畫語言,以及各種國際通用的電子符號,使之相互平行對照、對比、反襯或補充,完成「言外之意」與「畫外之意」。 \n 由於互聯網與手機通訊的發達,人類所有的食、衣、住、行經驗,都可以通過即時畫面的複製,無遠弗界的傳播,使各種相關又不相關,不相關又相關的高清彩色畫面,在電腦及手機中擁擠重疊成一堆,等待有義意的排比對照與解讀。「視窗山水」的創作,正好可以反映此一時代特徵,把中國傳統墨彩畫面、現代墨彩畫面、當代現實情境畫面,藉由書法筆墨的書寫、擴散與連接,統合起來,成為藝術整體,從上述各種與當代問題有觀的角度,抒發個人,反映時代。

  • MAKAPAH美術獎 共賞原民之美

    MAKAPAH美術獎 共賞原民之美

    原住民族委員會為辦理「2015 MAKAPAH美術獎暨第9屆全國原住民兒童繪畫比賽」頒獎典禮及作品展揭幕儀式,12日於中正紀念堂中正演藝廳舉行,並自即日起至105年1月10日於美齡藝廊展出126幅得獎作品,同時也特別邀請「2015 MAKAPAH美術獎」評審老師參展,歡迎對原住民族文化及藝術有興趣的朋友前往參觀,一起共賞原住民族之美。 \n \n今年度「2015 MAKAPAH美術獎」總獎金高達134萬元,吸引1,995件優秀作品,也為歷年來徵件最踴躍的一屆,得獎作品中可發現,參賽者創作理念已逐漸跳脫對原住民族既有印象,反而是以傳統與現代之對比以及跨族群為主題進行創作,也更顯現出民眾對當代原住民族議題之關心。連續辦理9屆的「全國原住民兒童繪畫創作比賽」,今年主題為「原住民部落故事」,共徵集繪畫3,301件作品,讓原住民孩童說出自己部落的故事,並藉由藝術創作,更瞭解傳統文化的內涵,並加深對族群文化之認同。 \n \n「2015 MAKAPAH美術獎」參賽者身分及國籍相當多元,得獎作品水準極為專業。繪畫類第1名「yakai(祖父),太陽下海了」以純熟的油畫技巧描繪出蘭嶼東清灣大船下水儀式,傳達出傳統與現代的衝突與取捨,第2名「祈祝豐收」以油畫創作,透過跨族群的八部合音,傳達出對臺灣各族群互信、互愛及互諒之期待。第3名「時間刻劃的紋」以水彩創作,畫出耆老生命的閱歷豐富,生活的智慧淵博。攝影類第1名「鑽堅仰高」傳達出傳統與現代的反差與衝突畫面。第2名「布農少年」則也道出原住民對信仰的堅貞。第3名「終於平安」則精確的捕捉黑夜與日出光束轉換的瞬間。

  • 從星星看K-P.O.P 韓國當代藝術席捲全台

    從星星看K-P.O.P 韓國當代藝術席捲全台

    韓流風潮不可擋!不只有星星、炸雞、香蕉牛奶,或韓國明星,一股由下而上的韓國當代藝術文化正席捲台灣。台北當代藝術館從本周六(19日)起,將展出展出89件作品涵跨繪畫、雕塑、複合媒材,以及錄像裝置等形式,呈現今日韓國藝術的多元樣貌,也期待透過藝術,讓觀眾一窺韓國當代社會與文化。 \n本展的展名轉化了「K-Pop」一詞,「K-Pop」原指當今眾所熟悉的韓國流行音樂,隨著韓國社會經濟的急遽發展,K-Pop也迅速成為行銷全球的韓流文化。Pop 除了指通俗、流行文化現象,同時也有「突然出現」、「爆開」、「呯然發聲」的意思。 \n總策展人尹晉燮與策展人韓之演所策畫的【K-P.O.P.-韓國當代藝術展】,特意轉譯P.O.P這三個字,將P.O.P的三個字母分別代表不同觀點,來分析Process(過程)、Otherness(他者)、Play(遊戲)三個面向,重新架構並翻轉K-P.O.P.的創意內涵。 \n本次受邀參展藝術家,包括曾參與許多國際雙年展的李受俓,以及曾獲第八屆光州新世界藝術大賽首獎的藝術家李二男;藝術家權五祥也於去年應邀來台參加國美館亞洲雙年展。 \n對於「傳統」媒材以及藝術語言的審視,策展人特別邀請擅於運用傳統韓國藝術意象的當代藝術家,如作品運用西方媒材,表現出東方詩意的車明熹、繪製韓國傳統月亮罐的崔永旭,以及具有水墨意境的李基鳳;而鄭秀真和李慶美則融合了韓國日常元素,選用西方繪畫媒材,描繪今日議題。 \n除傳統元素,韓國引以為名的雕塑裝置及多媒體藝術也是本展的一大亮點。藝術家朴勝模以金屬絲雕塑出細緻的大型人形雕塑;金昌謙、李京浩與康利妍,則使用擴增投影技術,創造出真實與虛幻之間的曖昧情境。藝術家也將自身對社會議題的關懷融入作品中,透過本展深入認識韓國現今的社會議題。 \n另當代館也規劃一系列展覽相關講吧及藝術家講座,包括現今最熱門的穿越劇、韓國電影等,讓觀眾得以一窺韓國流行文化與社會間的脈動,以此對照台灣現今狀況。 \nK-P.O.P.-韓國當代藝術展 \n展期:4月19日~6月15日 \n地點:台北當代藝術館

  • 當代藝術博覽會 攝影最吸睛

    當代藝術博覽會 攝影最吸睛

     「2014台北國際當代藝術博覽會」(YOUNG ART TAIPEI)將於4月18日起一連3天在台北晶華酒店登場,有來自台灣、日本、新加坡、法國等76家國內外畫廊共襄盛舉,帶來繪畫、雕塑、攝影等作品,其中,攝影為本屆鎖定的焦點。 \n 台北國際當代藝術博覽會今年邁入第6屆,本屆參展畫廊總數為76家,首度有法國畫廊798MASTERPIECE參加。 \n 也趣藝廊負責人王瑞棋指出,根據法國Art Price藝術網的研究報告,1996年攝影開始進入拍賣市場以來,截至2006年,攝影作品的價格指數大約上升262%,不僅19世紀、20世紀前半期的照片價格攀升,當代攝影作品也逐漸打開市場。 \n 本屆特別活動,除策劃「藏家入門」活動,由畫廊推薦1件價值於1000美金以下的優質作品,今年更首次舉辦「國際專家面對面計劃」,邀請拉丁美洲國際攝影及視覺藝術節創始者、西班牙的Alejandro Castellote、首屆亞洲攝影雙年展策展人中國藝評家顧錚、日本木村伊兵衛寫真賞評審瀨戶正人、韓國東江國際攝影節創辦人金升坤等參與論壇。

  • 台北當代藝術博覽會 4月登場

    「2014台北國際當代藝術博覽會」(YOUNG ART TAIPEI)將於4月18日起一連3天在台北晶華酒店登場,有來自台灣、日本、新加坡、法國等76家國內外畫廊共襄盛舉,帶來繪畫、雕塑、攝影等作品,其中,攝影為本屆鎖定的焦點。 \n台北國際當代藝術博覽會今年邁入第6屆,由也趣藝廊、朝代畫廊、德鴻畫廊與新苑藝術組成的「台灣當代藝術連線」主辦,這項飯店型的藝術博覽會,讓藝術收藏更親民。本屆參展畫廊總數從上屆61家畫廊增加至76家,首度有法國畫廊798MASTERPIECE參加。而日本參展畫廊有20家,僅次於台灣參展的45家。 \n本屆特別活動,除了策劃給對當代藝術收藏有興趣的「藏家入門」活動,由畫廊推薦1件價值於1千美金(新台幣3萬元)以下的優質作品,今年更首次舉辦「國際專家面對面計劃」,邀請拉丁美洲國際攝影及視覺藝術節創始者、來自西班牙的Alejandro Castellote、首屆亞洲攝影雙年展策展人中國藝評家顧錚、日本木村伊兵衛寫真賞評審瀨戶正人、韓國東江國際攝影節創辦人金升坤等人參與論壇。

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