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以下是含有當藝術家的搜尋結果,共207

  • 新北黃金博物館 金工特展線上開展

    新北黃金博物館 金工特展線上開展

    黃金博物館今(2)日起推出「枝枒現象–台灣當代金工與首飾創作譜記」線上展示,邀請12位台灣新生代金工藝術家,展示19組不同系列的精采作品。民眾可線上360度視角觀覽展品,品味當代金工之美。

  • 宅家不無聊 平珩教你當藝術家

    宅家不無聊 平珩教你當藝術家

     宅在家防疫不無聊,國家文藝獎得主平珩日前透過網路影片分享,鼓勵觀眾在家裡,正好可趁機當藝術家,像是拿出買了很久的昂貴盤子,看看怎麼擺盤好看,或是整理居家空間,「用創新的眼光看世界,這正是藝術家的思維。」  平珩在台北市疫情升級為三級警戒的這段期間,也待在家裡寫作,整理以往擔任藝術行政工作者的心法和對台灣表演藝術的觀察,目前寫作狀態順利,她表示,大家被迫不能演出,無法看表演,避免有接觸的機會,一定悶壞了,但可換個方式生活。  平珩表示,藝術家都是對周遭生活大小事很敏感的人,大家也可從小事做起,「這段時間可安靜地感受周圍的事情,對我們的影響。」平珩舉例,像是櫃子裡有很多沒有穿的衣服,「可以重新整理,搭配一下,之後解封可以穿,或是廚房裡買了很多漂亮的盤子,平常捨不得用,這段時間可以試試看,看怎麼使用能讓食物更好吃。」  平珩表示,藝術家平常不愛墨守成規,「用不同的方式過日常生活,找到新觀點,也許未來再進劇場看表演,一切都會變得不一樣,期待劇場相見。」

  • 宅在家防疫不無聊 平珩邀觀眾當藝術家

    宅在家防疫不無聊 平珩邀觀眾當藝術家

    宅在家防疫不無聊,國家文藝獎得主平珩日前透過網路影片分享,鼓勵觀眾在家裡,正好可趁機當藝術家,像是拿出買了很久的昂貴盤子,看看怎麼擺盤好看,或是整理居家空間,「用創新的眼光看世界,這正是藝術家的思維。」 平珩在台北市升級為三級警戒的這段期間,也待在家裡寫作,整理以往擔任藝術行政工作者的心法和對台灣表演藝術的觀察,目前寫作狀態順利,她表示,大家被迫不能演出,無法看表演,避免有接觸的機會,一定悶壞了,但可換個方式生活。 平珩表示,藝術家都是對周遭生活大小事很敏感的人,大家也可從小事做起,「這段時間可安靜地感受周圍的事情,對我們的影響。」平珩舉例,像是櫃子裡有很多沒有穿的衣服,「可以重新整理,搭配一下,之後解封可以穿,或是廚房裡買了很多漂亮的盤子,平常捨不得用,這段時間可以試試看,看怎麼使用能讓食物更好吃。」 平珩表示,藝術家平常不愛墨守成規,「用不同的方式過日常生活,找到新觀點,也許未來再進劇場看表演,一切都會變得不一樣,期待劇場相見。」

  • 三級片天王徐錦江超凍齡改當藝術家 21歲兒曝光更帥

    三級片天王徐錦江超凍齡改當藝術家 21歲兒曝光更帥

    香港資深男星徐錦江拍過不少經典電影和三級片,他擁有「鰲拜專業戶」和「三級片祖師爺」的稱號,隨著徐錦江近年的作品減少,淡出螢光幕的徐錦江朝著他熱愛的藝術創作發展,現年59歲的徐錦江成了一位藝術家,成立個人藝文工作室,他的21歲兒子也在日前曝光了,擁有高顏值的他相當帥氣。 徐錦江在電影《鹿鼎記》飾演鰲拜一角最廣為人知,他強悍又兇狠的模樣留給觀眾深刻印象,也讓徐錦江擁有「鰲拜專業戶」的美名,徐錦江認為,身為演員應該要有多面向,不應侷限同一方面演出,因此,徐錦江也曾拍過三級片,例如《色情男女》、《玉蒲團》系列等片,徐錦江還被封為「三級片祖師爺」。 徐錦江雖然近年淡出螢光幕,不過畢業於廣州美術學院的徐錦江,近年則朝他喜愛的藝術創作發展,畫畫、雕塑等都有涉略,徐錦江還成立個人工作室和藝術中心,徐錦江創作的作品還有在巴黎大皇宮美術館展出,其中,59歲的徐錦江保養有術,不僅維持健壯、修長的身材,以及白皙膚質,徐錦江相當凍齡,絲毫沒有讓歲月留下痕跡。 在徐錦江的微博還可以看到他的畫作、展覽等等,徐錦江還曾發文寫下:「生活藝術化,藝術生活化」,可見他對藝術的喜愛,而徐錦江雖然淡出螢光幕,不過他的21歲兒子徐菲則繼承爸爸的表演細胞,父子在前年曾一起登上綜藝節目《一路成年》,徐菲身材高壯、一張濃眉大眼相當帥氣,而徐菲也在今年2月推出個人單曲《大鬧一場》,演藝表現備受期待。

  • 重拾連結自然能力 中山表藝課以海岸為教室

    重拾連結自然能力 中山表藝課以海岸為教室

    國立中山大學劇場藝術學系「表演藝術走入城市生活」課程把柴山海岸當舞台,在地藝術家帶領學生到柴山海邊聽海、踩沙、踏浪,用聽覺、觸覺與自然對話。今年6月將以展演形式舉辦發表會,開放對表演藝術有興趣的民眾一同參與。   「表演藝術走入城市生活」課程推出一系列程式遊戲工作坊,「山海裡的身體」工作坊,由高雄在地劇團「空表演實驗場」舞蹈即興藝術家陳宜君將沙灘作為練習場域,透過呼吸、觀看、聆聽、觸碰,帶領學生開啟身心與自然的連結,將自己「融入」地景。「聽海─自然環境的聆聽」工作坊則由高雄在地聲音藝術家劉芳一,引領中山大師生關掉手機、全程不交談,安靜行走於海岸線,用耳朵仔細聆聽各種海潮的聲音。 中山大學劇藝系助理教授何怡璉指出,課程特別選在緊鄰中山大學的柴山海岸,試圖翻轉城市一貫的人文觀點,希望讓學生從自然地景來回看城市,從表演藝術觀點連結城市與自然。 電機系學生胡予丞表示,沒有跳舞經驗的他完全不知該如何與環境互動,透過藝術家的指導,他學會把想法轉化為肢體表現,與海洋連結。劇藝系學生許為廷表示,在沙灘上跳舞除須克服厚重沙子帶來的阻力,還要留意海浪的變化。與海共舞的寶貴經驗,將成為他日後從事藝術創作的靈感來源。

  • 舞台地板當畫布 有舞者汗水味

    舞台地板當畫布 有舞者汗水味

     舞者及演員反覆踩踏、揮汗如雨的舞台,化為裝置藝術,既有歷史感,又有空間感。藝術家陳彥旭以廢棄的舞台地板當畫布,打造大型裝置藝術《時時。刻刻》,從左往右看,是喜劇泰斗卓別林對你揮手;從右往左看,有101大樓,還有國家戲劇院。  三個立面,從右往左看,可看見舞者婀娜多姿的跳舞身影、皮影戲和原住民圖騰,還有台北地標101大樓以及國家戲劇院的剪影;再往前細看,可在舞者身影上,找到藝術家把他的名字「旭」字融入舞蹈線條裡,充滿東方文化風情。  而從左往右看,則是轉進西方表演藝術世界,卓別林探出頭來的招牌動作,芭蕾舞者優雅的身影,還有阿拉伯數字30,以及藝術家的英文姓名「Ash」的簽名,同樣融入線條裡。  這件作品使用的是原台北國家戲劇院舞台地板,使用超過30年,改裝時汰換下來,材質是北美奧勒岡松木,具有彈性,對需要彈跳的舞者而言頗好使力。過往有多少國內外表演者的足跡,及數不清的道具布景曾在這套地板呈現,頗具歷史意義。

  • 簡秀枝》談拉烏爾・德・凱澤的畫品與人格

    簡秀枝》談拉烏爾・德・凱澤的畫品與人格

        【愛傳媒簡秀枝專欄】一、前言:為什麼拉烏爾・德・凱澤(Raoul De Keyser, 1930-2012)的作品,值得收藏?!回答這個問題,其實就是畫品與人格。      拉烏爾・德・凱澤是位終生孜矻探索藝術,低調、謙和的藝術生活家,作品尺幅不大,畫題簡單,但承載了他終生去繁就簡的滿滿智慧。在他辭世9年後的今天,重新品賞他的遺作,聆聽他的遺音,倍見哲思,發人深省。     截至目前,所能找到的最後遺音,是2010年由比利時影音專家揚・布朗德爾(Jan Blondeel)採訪錄製的紀念片:《拉烏爾・德・凱澤:歸途也是旅程(Daoul De Keyser: The return is also a journey)》。     人近遲暮,慈眉善目的拉烏爾・德・凱澤,在紀錄片中,流露出面對藝術專業,當仁不讓的格局,然而,他不爭名利、敬謝溢詞,片中的歷歷回憶,盡是他在探索藝術的點滴。這樣的慈靄老人,令人打從心底敬佩。      影片的主持人稱拉烏爾・德・凱澤是比利時藝術世界的「獅身人面像」,因為難以觸及,至高無上,他是位不願接受採訪的大師。     影片上,靦腆入鏡的拉烏爾・德・凱澤,話題從繪畫與藝術的區別開始。他提及畫家與藝術家的差別。「畫家只是賦予色彩,而藝術家則需思考」。他甚至形容藝術家在亞麻布上繪畫,更像是裝點一把椅子,需要動用許許多多的腦筋思考。     當再被問到「繪畫對他來說,意味著什麼」時,拉烏爾・德・凱澤沈思片刻後,他的回答令人玩味不已,「恐怕是要說些我之後需要去質疑的事情」,原來,繪畫是表達,是拉烏爾・德・凱澤對人世間的好奇與質疑。他透過繪畫實驗,一直在探問人生。     那回憶呢,所有美好回憶呢?!拉烏爾・德・凱澤的回答簡單扼要,「我很想把事情保持低調,我不想記得太多!」     「您一生所做過的藝術作品,可看作是完整作品,一份畢生之作!?」     「畢生之作?喔,不,不必這樣,這是豪言壯語」創作實驗超過一甲子的拉烏爾・德・凱澤,把藝術哲思,盡藏在他的應對之間。 二、傳弗蘭德斯遺風 享代因澤城富饒     拉烏爾・德・凱澤於1930年出生於比利時代因澤市(Deinze),一輩子,生活與創作都在那裡。他的父親是木匠,但並不希望他繼承衣缽,14歲就想當畫家,開始無師自通,畫校園操場,可說自學成才。     當他畫了十多年的畫,也小有名氣,但覺得自己很心虛,想進入藝術學院,真正拜師學藝。     1963至1964年間,已經33歲的他進入代因澤藝術學院就讀,跟隨油畫家羅德・拉威爾(Roger Raveel)學習。他想根據學院派的方式作畫,但後來,事與願違,他還是走回自己的作畫方式。     不過,藝術學院就讀的那兩年,是他藝術生涯上的重要關鍵。他的老師羅德・拉威爾,是當地重要藝術前衞活動《新視覺》的領航人,因此他也恭逢其盛,參與了該運動。     這個在20世紀60年代出現的《新視覺》運動,推出一個重要的創作概念,即「重估日常現實」,而那個時間點,正也是歐洲「極簡藝術」風起雲湧之際,對拉烏爾・德・凱澤的創作人生,帶來啓蒙效果,為日後他走向「現實抽象主義」的重要里程碑,同時迎接即將到來的盎格魯—撒克遜繪畫運動(Anglo -Saxon Painting Movement)。     除了「重估日常現實」的概念之外,拉烏爾・德・凱澤的忖時度勢、小題大做的能力極強,他細微觀察周遭,掌握繪畫的歷史,創造出世界級的質量,他擇善固執,找到自己的方式,孤獨走在非主流、總產值很小的路子,謙遜低調,非常動人。     拉烏爾・德・凱澤終其一生,未曾離開過家鄉。代因澤是個純樸鄉村,有著豐富的大自然生態,家鄉的一草一木,對他來說,熟稔深刻。     著名的利斯河(Lys)橫穿小鎭,潺潺水流,訴說著家鄉人的悲喜苦樂,同時,這條河流,也見證了20世紀上半葉弗拉芒表現主義,深受當地藝術家的信頼與喜愛。     拉烏爾・德・凱澤對大自然的覺知,敏銳而深刻,他具備強大的洞察力,舉凡遊雲、天光、風動、麥浪、碧草、綠籬,都是他的觀察指標,心由境轉,自然天成。     拉烏爾・德・凱澤細細咀嚼家鄕風情之餘,他的繪畫創作,始終圍繞著代因澤田園式的山水風光,與現代化建築空間,自然植物景觀,把戰後歐洲小鎮的生活樣貌與情趣,表露無遺。     值得一提的是,拉烏爾・德・凱澤在80年代曾推出《龍捲風》系列,這是他在家鄉泛舟,吸收大地天光水氣的過程,綠野平疇,遠山細流,都被抽象簡化,融合在更強調筆觸與空間的後期作品中,成為他的重要代表作。     拉烏爾・德・凱澤育有二子,早年,家中沒有太多空間,他就在廚房裡畫畫。從廚房和廚房周圍的東西開始,還從窗戶對外遠眺,無處不在,具象世界下的一些抽象作品,就因此而產生。     所以拉烏爾・德・凱澤的畫作,大都建立在真實物件的基礎上,例如,空曠平原、蓊鬱森林、蒸汽火車、代因澤河堤、窗外的猴謎樹、活動百葉窗、屋宇牆腳、不起眼的門柱、球門網,甚至球場的白線,運動員的襪子,都是他信手拈來、小題大作的活素材。     這種以實體作為基礎,衍生出不確定性的形狀,引發空間和圖形的視覺幻象,反而沒有太多敍述性的陳述,他留給觀者無限空間。這也正是拉烏爾・德・凱澤作品,越陳越香,越能得到收藏界的共鳴與喝釆。     他的繪畫,是日常生活的鏡像。他畫故鄉的利斯河(Lys)、足球場、露營、花園,不斷裝修的工作室,其中,最引人注目的,還有猴謎樹(Monkey Puzzle Tree)。     猴謎樹是智利國樹,又叫智利南洋杉(Araucaria Araucana)。這種樹種,有獨特的枝葉外貌,堅硬的樹葉爬滿樹幹與枝條,讓猴子難以攀爬,因而得名。     這種怪樹,錯綜複雜的林葉與深沈顏色,豐富了拉烏爾・德・凱澤的線條與色塊應用,從樹形的變化,一直探索構圖與空間組合,拉烏爾・德・凱澤從1981年到2001年,創作了猴謎樹的數幅作品,極具代表性。在展覽中,一成排的墨綠色猴謎樹,往往是觀者的焦點。     作家伯納德・德沃弗(Schrijver)特別稱頌拉烏爾・德・凱澤成功地使觀者面對他的作品時,必須集中注意力,因為畫中有畫之外,畫布的每個側面,都可能展現出不同視角,他的大部分作品都可以追溯到具體物件,比如說,他的房子,他從窗戶看到的東西,和他在假期裡的所見等等。     拉烏爾・德・凱澤甚至稱自己常在不合時宜的時候畫畫,有時是盛裝準備出門,突然靈光乍現,他總是保持高度警覺,不但創造被靈感激發的機會,同時尊重與迎接靈感的隨時到來。     畫畫的好處,是可以給自己很多空間。有時候拉烏爾・德・凱澤想做一些變化,也時會發出意外,但最後畫面的結果,總是成為他的心境與意念的寄託。     創作,有大題小作,也有小題大作,顯然,拉烏爾・德・凱澤傾向後者,他喜歡細微、重複觀察一些人時地物,然後作最適切的截減升華,留下精髓。     這樣的習慣,來自早年遊歐洲法國時,受到當地老教授的啓發,讓他一生受益。當時他元氣旺盛,喜歡四處環遊,希望結集創意。     但老教授告訴他,與其東找西尋,不如鎖定目標,用心體會。他建議拉烏爾・德・凱澤每天從同一地點出發,走同樣的路線,可以去參觀那個地區的教堂,和牧師聊天,然後走同一條路回去,理由是:「歸途也是一段旅程」。     他被那句簡單真理所打動。縱使歸程路同,心境觀察力如果不同,還是可以把結果,變得非常不一樣,一切又煥然一新。     他衍生了那樣的觀念,在他的殘生裡,無時不緊抓機會,仔細思忖,小題大作,找出道理的真髓。     愛運動,足球場畫素描,草地上畫白線,都是拉烏爾.德.凱澤生活的片段,原來,拉烏爾・德・凱澤透過窗戶。     看到鄰居在綠色草地上,於是,他用白色刷子,勾勒足球場的邊線。然而,因為草地很不平整,畫白線也成為辛苦差事。但那素描,那白線,都不只是現實化的,而是去繁就簡,變得更虛幻。     至於拉烏爾・德・凱澤畫出的是不是白線,其實並非表象,而是兩個概念之間持續著的張力,他將足球場看作一個平面,綠意盎然,足球場就是一幅抽象畫,他做的唯一一件事就是把它非常具體地表現出來,把把足球賦予生命,並以許多不同方式,運用該主題。     他畫邊界狀態,事實上不簡單,他試圖消除一切,直到剩下他所要的一個概念。因此,粉筆線條的繪畫,也成為他的反思與冥想。     他試圖通過研究色彩,探究藝術家和截體之間的關係來重視繪畫。他受到美國藝術運動的啓發,但同時保有自己想法,超越一甲子的藝術人生,幽默自在。     拉烏爾・德・凱澤和其他歐洲二戰後成長的年輕人一樣,酷愛足球運動。足球將戰後割裂的世界,聯繫起來,帶動20世紀全球政治與文化的串聯。     拉烏爾・德・凱澤從客廳可以眺望代因澤足球隊的訓練場,這時,草坪、球門、角球區、襪子,尤其足球場上的白色邊界,都反覆出現在他的作品中。     在波普藝術、極簡主義與觀念藝術盛行的年代,球場的綠茵與白線,啓發了他在布面繪畫與空間運用上的革新。     拉烏爾・德・凱澤第一件足球場與白色邊線的繪畫,完成於1969年,那是他39歲的中壯之年。     然而,2012年逝世前的最後兩件作品,《羅本12》,都是荷蘭球星阿爾揚・羅本照片拼貼足球場草坪的繪畫,足見白色線條下的球場,對他的意義深遠。     他沒有畫過肖像畫,謙稱自己沒有能力。只作過剪影。可是他畫賽車手圖片,然後把駕駛員形象破壞掉,截掉賽車手,因為他只考描繪賽車氛圍,用之前畫的側邊,把它分成兩幅畫。他認為,印象比物體本身更能描繪出他的世界。     人體局部的妙用,也是一樣。他拍些照片,自行車比賽。他總是被那些圖像所吸引,其中一名運動員穿的一隻長襪子吸引了他。     該照片有點大,現在只剩下他的腿了。大家看到灰色部分是個安全別針,用來把襪子的上部固定在運動衫底端,但每次展出該畫時,他們都把真的安全別針取下來,所以最後他把它拿下來,只剩下畫布的洞。     他常會用到與可觸及的表面延展性或是與習慣有關的物件,這是他感興趣的。例如,截掉畫布部分的《沃爾特・古德弗魯特Walter Godefroot》作品,就是用了自行車運動員名字。 三、掌國際藝術時潮 走自我實驗小路     不曾離開家園的拉烏爾・德・凱澤,不畫地自限,他師承之外,也懂得眼觀四面耳聽八方,清楚掌握國際潮流,例如,美國抽象表現主義、波普主義、硬邊藝術。因此,至始至終,他都走在時潮的最前端。     拉烏爾・德・凱澤並非全盤接受時潮,他先熟悉時潮內容,有所為,也有所不為,堅持排除怪異部分,就像在波普藝術中,急力迴避消費流行文化。     他在垂手可得的周遭,以運動、野營、建築、園藝,賦予畫面的生動,濃縮20世紀生動的生活氣息,開創了個人風格化的「抽象現實主義」。     日常現實與嚴肅美學之間,理念的高度實驗性和作品的不斷演化,發展出獨特的個人風格。     創作初期,他的作品色彩飽和、圓型塊面,勾線也乾淨俐落,無疑是回應了當時的波普藝術與硬邊藝術。他堅持自己獨特的特質,比起其他人的作品,他的軼事要少得多,僅僅熱中於藝術純粹性的展現。     到了70年代,拉烏爾・德・凱澤在平面創作上,延伸畫布周身四面,超出牆面,成就了繪畫和雕塑的混合體。     此一革命性採索,模糊了平面與立體界綫,與美國同期的極簡主義、觀念藝術的唐德納.賈德(Donald Judd,1928-1994)與約翰.麥克拉肯(John McCracken,1934-2011)相呼應,堪稱一絕。     80年代從形式轉為圖像和繪畫媒界的探究。繪畫的圖底關係,成為他探索的脈絡,單色色域肌里,日漸豐富,筆法游走在點、線、面之間,層層疊加於色彩之上。     這段時間,拉烏爾・德・凱澤有過喪妻的打擊,生活和工作大受影響,作品走向也有了改變。接著,有了更多展覽的互動,他勤跑美術館,努力尋找作品的安頓與展示的適當空間。     千禧年之後的最後十年,拉烏爾・德・凱澤受到疾病影響,他的繪畫尺寸縮小,視角更著眼於身體四周。     因此,巴掌大的一系列微作品,鉅細靡遺,或更多的水彩與小作品,例如,松節油和煙蒂。     一方面,展現藝術對他情緒療癒與穩定的重要性,另方面,他也表現,藝術無所不在,小畫小畫,油彩、壓克力、水彩,都是他承載藝術的工具,無所不在,也無所不可。 四、卓納兩代情 惺惺相惜     疫情蔓延已經年餘,大家逺飛不得,過去大家有趕場不完藝博會、拍賣會或者大小國際展覽,收藏界心境彷佛得到更多安頓,思考也更完整,類似拉烏爾・德・凱澤這種避開鎂光燈,深耕細作的優質藝術家,逐漸被拉回記憶,進入深度的品賞咀嚼。     2021年開年之初,卓納香港畫廊(David Zwirner Gallery)於元月份起,捧出拉烏爾・德・凱澤在華語世界的首展,準備周全,可視之為拉烏爾・德・凱澤與華人收藏界正式結緣的重要起手勢,倍受矚目。     尤其,創作於1989年的立體作品《櫉櫃模型Model for Cabinet 》以及1992年《前方Front》,都是精彩焦點,外加線上展覧《新視野野:致敬 德・凱澤》的同步呈現,明白告訴後人,拉烏爾・德・凱澤如何影響當代藝術家的繪畫創作。     創立於1992年的卓納畫廊,目前已在紐約、倫敦、巴黎、香港設立據點,在全球年度影響力排行榜上,總是名列前茅。     這回在香港卓納畫廊的展覽,正是以卓納家族兩代人的情誼,並邀請同為比利時的知名藝術家路克・圖伊曼斯(Luc Tuymans,1958-)作推薦,格外具說服力。     原來,魯道夫・卓納在家鄉的德國科隆,作最後一次展覽,就是拉烏爾・德・凱澤的展覽,因此與卓納父子,結下兩代交誼的善緣。     大衛・卓納在紐約自立門戶,打造國際連鎖畫廊後,也把魯道夫・卓納精挑細選的拉烏爾・德・凱澤納入代理陣營,1999年正式成為該畫廊代理藝術家。     截至目前,卓納畫廊共為拉烏爾・德・凱澤舉辦過8次個展,其中在他2012年逝世後特別在紐約與倫敦的巡迴回顧展,倍見真情。     卓納家族以兩代人的眼光,共同看好這麼一個安靜內斂的藝術家,不啻是作品的品質保證,這對收藏界來說,是最直接的定心丸,公開背書承諾。 五、遲來桂冠 國際發光     過了蓋棺論定的時候,拉烏爾・德・凱澤的藝術成就,熠熠生輝,越來越受肯定。     首先,在當代藝術國際舞台的光環,要從1992年卡塞爾文獻展,當然已經62歲的拉烏爾・德・凱澤獲得國際關注,也因此被冠上「大器晚成」。     15年後的2007年,第52屆威尼斯雙年展上,再次為77歲的拉烏爾・德・凱澤,封上「寶刀未老」、「當代急先鋒」的桂冠,也是遲來的能量肯定。     另外,國際美術館的收藏,也是背書肯定的亮點所在。例如,美國大都會博物館、卡內基美術館、洛杉磯當代藝術博物館、科隆路德維希博物館、舊金山現代藝術博物館、根特國立當代藝術博覽館等等。     而個展覧巡迴展,也包括倫敦白教堂美術館、荷蘭蒂爾堡德彭當代美術館、比利時根特國立當代藝術博物館(SMAK)、慕尼黑現代藝術館,在在是重要紀錄,足供收藏界參考。     承襲早期的弗拉芒畫派(Flemish School)的遺風的木匠之子,拉烏爾・德・凱澤被稱為「藝術家中的藝術家」,他的作品,隱藏著一股讓觀者長時間沈思的視覺張力,隨著他的逝去,這種感覺越來越明顯。     君子不器,是拉烏爾・德・凱澤的寫照,文青氣質,哲學思辨,氣宇軒昂的一生,展現了無求品高的風範。在吵嚷有餘的硯代社會,公仔潮畫滿坑滿谷,拉烏爾・德・凱澤更顕得「大智若愚」。     「歸途也是旅程」的哲思,成為拉烏爾.德.凱澤一生中,小題大作,藝術探索,永無止盡的寫照,溫馨感人。     總之,在百花齊放,櫻紅柳綠的今天,什麼是值得讓藝術收藏界用心留下來的呢?想必是拉烏爾・德・凱澤終其一生的藝術智慧,特別是熠熠閃光的畫品與人格。   作者為典藏雜誌社社長 照片來源:作者提供。 ●更多文章見作者臉書,經授權刊載。 ●專欄文章,不代表i-Media 愛傳媒立場。

  • 籃球場變游泳池 東吳實境藝術節大玩AR科技

    籃球場變游泳池 東吳實境藝術節大玩AR科技

    AR結合遊戲,寶可夢風靡全世界,而東吳大學結合藝術與AR科技,透過APP,籃球場變成綠色游泳池,虛擬校狗萌躺木棧道,還能跟金正日等大人物的頭像大跳印度搖頭舞,兩校區一共有29個超潮的隱藏版打卡景點,等大家來挖寶。 「這裡是城中的籃球場,現在只要搭配手機APP,你看這裡就變成一大片綠色的游泳池,還有人在游泳呢!」校園記者穿梭兩校區進行報導,只要透過手機下載「方寸之間+」的APP,藝術家的AR作品讓想像力和東吳大學的空間無限延伸,像東吳城中校區法學院門口,浮現不少大人物的頭像,韓國領導人金正日和金正恩父子等人印度搖頭ING;木棧道上還出現慵懶的拉不拉多,宛如虛擬校狗,兩隻小麻雀也無法阻止牠的睡意,同學可以發揮創意和這些實境藝術同框,創造獨一無二的全新影像。 東吳大學文舍明日聚場和胡氏藝術聯手,打造東吳大學實境藝術節,這也是台灣第一個以擴增實境(AR)和虛擬實境(VR)為互動載體的校園藝術節,由東吳大學社會學系副教授劉維公和胡氏藝術公司執行長胡朝聖共同策劃,並由科碼新媒體做技術整合,自從2017年推出以來,至今已累積24位藝術家、29件藝術作品,戶外實境藝術收藏量全台第一。 不只藝術家,東吳的學生也成了共同創造者,東吳大學最新地標—野豬雕塑《回歸》,學生也加入創作的行列,十幾位學生和原住民藝術家巴豪嵐·吉嵐相互激盪,透過APP,實體作品與學生著色的野豬圖騰做結合。藝術家巴豪嵐·吉嵐表示,一開始不少學生不知該怎麼著手,但在他不斷跟學生交流後,全部的學生都完成了,巴豪嵐·吉嵐說,野豬是他生活,而當創作到了校園,希望它能自然融入成為東吳大學的一部分。 除了AR技術之外,藝術家洪譽豪更用虛擬實境VR技術和3D掃描,記錄了東吳的現在與過去,戴上虛擬實境裝置,體驗者彷彿走進東吳的時間迴廊,不少同學驚呼這體驗真的太棒了,宛如進入全新空間,人就像騰空看校園一樣非常驚豔。 東吳大學校長潘維大表示,東吳大學實境藝術節結合了科技與培育創新人才的兩個面向,不只是推動美學教育,也是在推動科技新興教育,這是東吳大學現在與未來持續努力的目標。

  • 新故鄉願景》藝術家里長 翻轉老社區

    新故鄉願景》藝術家里長 翻轉老社區

     知名插畫家「馬里斯」謝錫元,從藝術界跨足政壇,3年前選上里長,一點一滴改變社區人文、環境氛圍,原因就是想讓自己住的地方變更好,他也成為翻轉豐裕里並帶動新氣象的重要角色,但在他擔任里長前,卻有一段不為人知的悲慘故事。  謝錫元父親曾因為積欠大量債務,搞得家裡雞犬不寧,母親也因而離世。謝錫元年紀輕輕就背負巨額債款,為扛起家中重擔,他必須離開家鄉高雄,甚至隱居台中山林,想辦法四處找工作一點一滴掙錢,花了16年才還清所有債務。  當時背負巨額債務的謝錫元正值青春年少,突如其來的噩耗,壓得他喘不過氣;後來他決定為清償債務而放棄最愛的繪畫創作,獨自到山上的香草園工作,打算往後以香草料理廚師維生,但謝錫元仍無法忘懷對創作的熱情,甚至經常在夜裡夢見自己不斷在作畫。  因此謝錫元決定重拾畫筆,回到繪畫創作的懷抱,為支撐生活開銷並且清還債務,他下足功夫報考街頭藝人,取得證照後在愛河旁擺攤畫畫。回想那段日子,謝錫元笑說,所有人都告訴他,當藝術家是吃不飽的,但他就是想作畫,因為他相信透過創作,可以為每個人的生活帶來快樂。  如今當上里長,還有好多願景沒完成,有時和各相關單位溝通,也會覺得心有餘而力不足。從藝術家跨足里長曾備受質疑,甚至被看扁,一度感到氣餒,甚至懷疑自己能否堅持下去;但他相信最苦的日子已經過去,未來可以苦盡甘來,和里民一起打造幸福家園。

  • 以不變的心面對多變的世界

     面對多變的世界,葉國新認為要保持學習態度,並且以不變的初衷面對外在的誘惑。他因銳利的鑑定技巧,多次識破國際偽造集團膺品,對方開出天價挖角,但他仍斷然拒絕,就是堅持做正確的事情。  葉國新選擇當鑑定師教練,近年來不僅出版75萬字鉅著《墨海春秋─古今書畫藝術鑑藏研究》,把近20年的鑑定實務、學術經驗,還有分辨藝術品真偽技術傳授給大眾。此外,因近年來藝術品詐騙案頻傳,葉國新又是該領域專業,因此司法院多次聘請他授課,連檢察總長都是他的學生。  不過,葉國新直言,藝術鑑定這條路不好走,堪稱是孤獨的職業,夜深人靜時要自己做檢測,而且要從內到外審視每一項藝術品,這是一種跟自我的對話,一旦有新藝術家崛起,鑑定家要馬上了解藝術家的作品、生平,甚至是親自拜會、理解創作理念。此外,鑑定家還要熟知最新偽造手法,當不肖集團用先進科技製出贗品時,更要精進自己、辨別真偽,幫助客戶免於上當受騙。(林昱均)

  • 《后翼棄兵》掀熱潮 西洋棋魔力不藝外

    《后翼棄兵》掀熱潮 西洋棋魔力不藝外

     網劇《后翼棄兵》,上線28天內創6200萬家戶觀賞數,在全球引起現象級熱潮,在台灣也占據第一寶座多時,除了女主角由孤兒成為棋后的故事激勵人心,由64個黑白方格組成的世界,天賦及其背後的代價,以及對弈的哲理,與藝術創作過程極為相似。  「這是64方格組成的世界,我感覺在裡面很安全。」美劇《后翼棄兵》女主角貝絲.哈蒙透過下棋彷彿也為自己掌握棋盤外的人生。許多藝術創作者也熱愛西洋棋,多次獲獎的台灣寫實藝術家余昇叡,除愛下西洋棋,更以西洋棋為創作符號,成為自己一系列作品的鮮明特色。  剛開始以西洋棋為創作符號,余昇叡表示正是自己大學畢業後最迷茫的階段,「我有4個姊姊,是家中最小的男生,一直以來是很聽話很受控制的。」余昇叡回顧當年的自己,不諱言面對外在的壓力與自我的不安時「活得像棋子般」,他決定「要做點什麼才能讓人注意我」而開始報名多個獎項,並以西洋棋象徵著自己在藝術與生活上的破繭與轉折,自此後成為自己的創作符號。  紙上戰爭 學面對自我  作品中雖持續可見西洋棋為符號,但在不同的階段也有著不同的轉換,余昇叡表示,前期的靜物畫更像是小劇場,「這些棋子擺放進去像是玩家家酒,在其中扮演著角色,演著虛擬的故事。」而在他父親過世後,余昇叡的創作更像是以畫作為日記,自己和棋子實為融入了畫面,「希望觀者看到畫的時候,會感覺畫者雖不在現場,卻透過畫而存在現場,自己在畫的二次元中被展示出來。」畫的世界宛如棋盤的世界,讓創作者有更強的主導權。  剛開始玩西洋棋,余昇叡表示只是先在電腦上玩小遊戲,「玩著玩著也就想買實體的棋盤,也喜歡上走棋的感覺。」他也指出西洋棋的趣味在於「如同紙上的戰爭」走法規定明確,每一步棋又息息相關,每一步棋皆會改變棋子之間的關係,如同人生的變化無常,也應對著現實社會中學習面對自我。他也表示,西洋棋對藝術創作者而言確實更具美感造型,「學美術的人一開始畫素描,就是從黑、白開始。」  所有棋手 都是藝術家  喜愛西洋棋的藝術家不乏其人,最知名的當屬畫家杜象,他曾多次參加法國錦標賽,甚至4度代表法國隊參加奧林匹克團體賽,他曾說:「雖然所有的藝術家並不都是棋手,但所有的棋手都是藝術家。」並曾以西洋棋為題創作,如1910年的《棋局》描繪兩兄弟正在專注地下棋;1911年作品《國際象棋玩家》與《棋手的肖像》則以立體派及未來主義風格進行創作,對杜象而言,西洋棋的美並不是一種視覺經驗「而是更接近於詩歌所能給予的美。

  • 國家文藝獎 禮讚95歲王秋華

    國家文藝獎 禮讚95歲王秋華

     第21屆國家文藝獎30日於淡水雲門劇場舉行頒獎典禮,高齡95歲的建築師王秋華,親臨現場接受蔡英文總統頒獎,王秋華表示,「做房子並不是了不起的事,要想問題在哪,想辦法解決,建築整件事都辛苦,但能做得好,會覺得很高興。」蔡英文致詞時表示,「藝文創作的力量撫慰了情緒緊繃的台灣社會」而台灣創作的多元除了仰賴自由的環境,「更有賴前輩藝文工作者長期的耕耘。」  本屆國家文藝獎得主包括小說家黃娟、藝術家莊普、音樂家陳中申、舞蹈家古名伸、劇場創作者王墨林、建築師王秋華及紀錄片導演柯金源。  典禮由布拉瑞揚編舞、舞者黃珮華演出的《秋.華》揭開序幕,向建築師林秋華致意。  王秋華是第一代華人女建築師代表人物,在美國曾參與逾50座教堂建築工程,返台後在建築教育上不遺餘力,並設計許多現代化圖書館,堪稱台灣圖書館建築的權威,作品強調美學與工藝必須建立在環境與人性的基礎上。  踏著舞步相擁而泣,長期推動接觸即興的舞蹈家古名伸,自啟蒙師、亦是第9屆國家文藝獎得主林麗珍手中接過獎座,古名伸認為舞蹈堪稱台灣奇蹟之一,在台灣卻沒有產業做後盾,希望政府單位成立國家級舞團,讓舞蹈不再是國內藝術弱勢;作家黃娟雖不克返台,其「楊梅三部曲」寫一個家族與小鎮的歷史,透過代領人表示,「希望為台灣留下歷史資料」。  藝術家莊普笑稱年輕時其實想當搖滾樂歌手,他認為藝術家不可能只靠自己成就,感謝一路以來藝術家朋友的激盪,「陪伴的不只是生活,更是一起創造歷史」;音樂家陳中申特別感謝啟蒙師賴德和讓自己建立起對民族音樂的信心,堅信「音樂沒有國界但有國籍」從民間音樂中汲取養份。

  • 難忘的美好 鏡頭書寫祖孫情

    難忘的美好 鏡頭書寫祖孫情

     當作家、藝術家的身分轉換為阿公、阿嬤,祖孫間有些什麼小故事透過照片紀錄下來?還有些照片中,不難看出可看出三代或四代間的文化傳承。《當作家變成阿公阿嬤—祖孫情照片特展》以鮮少公開的祖孫照片,展現世代間的情誼。  「當阿嬤後,一講孫女的事可以講三天三夜」作家廖玉蕙表示,自己反而體驗了不少「孫女教我的事」,她指出8歲的海蒂一回在她說拜拜是「有的沒的」時,直言「對不知道的事不能隨便說!」小孫女諾諾4歲時彈琴被讚美,卻對阿嬤說「我有興趣的事自己就會做,不用鼓勵我,我做不好的事再鼓勵我才有用。」廖玉蕙事後一查資料才發現:「心理學上果然有這套說法。」  學者余玉照分享,自己學氣功後常會帶著孫兒孫女練習「騰空彈跳」,既是寓教於樂也是以身作則想讓孫兒多注意運動「至少不要黏著手機」在陪伴孫兒成長的過程中,他認為背詩、閱讀都很好,但「騰空彈跳」的遊戲迄今讓孫兒想到阿公,「覺得很划算!」  詩人麥穗今年升級曾祖父,最小的孫子恩齊今年也高中畢業,麥穗家近年春節前,總會命恩齊穿上曾祖母親手縫製的長袍,幫著張貼春聯,照片中祖孫一起貼春聯的畫面,是讓孫兒對親情有所緬懷,也對傳統年節認識的家庭儀式之一。  《國語日報》社長蔣竹君的照片是與外婆的合照,這是她和外婆唯一的單獨合照,也是她外婆唯一參加外孫婚禮的紀念,透過照片也憶及初中三年,天天是外婆為她紮好髮髻才讓她上學的寵愛。  攝影家莊靈的照片,則是2003年帶著妻子與3歲的外孫女,到醫院探望剛生產的女兒與新生的小外孫女,「三代新面會」的這張時間定格的照片,也讓他看到自己和家人共度的溫馨歲月。

  • 藝術家賴志盛「繞梁」 連假後金馬賓館開展

    藝術家賴志盛「繞梁」 連假後金馬賓館開展

    知名藝術家賴志盛首次前進高雄,發表個展,將在國慶連假之後,以「繞梁」為題,在金馬賓館當代美術館,發表六件全新現地創作作品,要以「空間寫生」,開啟感知新可能。 促成「繞梁」展覽成形的推手、永添藝術執行長邵雅曼8日表示,藝術家賴志盛透過現地創作,打造觀眾與空間嬉戲的難得機會,將開拓人們與作品之間的嶄新關係,使其作品展現更強烈的互動性與可能性,更希望透過藝術家對自我生命歷程與所處時代環境的反芻,作為給觀者的生活提示。 「繞梁」將從10月16日起,正式對外開放,創作者賴志盛在近一個月的現地創作過程裡,長時間觀察金馬賓館展場空間裡的光線、氣流與水分,吸納場館本身得天獨厚的山景與光影於作品中。 賴志盛說,其中一件現地創作的作品,就是運用「水」在冷熱交換過程中,所引發的能量與物質狀態變化,形成一個能循環不已且樣貌變化萬千的作品。 他認為,藝術家的創作,不單為美服務,更重要的是,提出刺激既有價值與定義的討論,現實雖然是創作的基礎,但,當我們感覺到現實世界,正往某個方向前進的時候,藝術家要做的,也許是除了朝這個方向前進之外的任何事。

  • 藝術家提告 文化部當後盾

    藝術家提告 文化部當後盾

     全球華人藝術網於2017年起遭控讓上百位藝術家簽下不合理契約,經80多位藝術家提告及文化部協助,負責人林株楠於去年已依詐欺罪起訴,全案目前由台北地院審理中,一審判決尚未出爐。文化部長李永得表示,將持續為超過500位受害藝術家提供協助,並為華藝網一案於2周內做出政策宣示,為藝術家平反。  曾獲國家文藝獎特別獎的水墨畫家羅振賢是受害藝術家之一。他表示,事件開端可追溯至民國100年,華藝網透過文建會(文化部前身)以「台灣百年藝術家傳記系列電子書建置計畫」名義,與台灣百大藝術家簽署合約,「大家看到文建會補助,都非常樂意配合,不料合約隱含侵權內容,除了部分作品售出收入要給華藝網,完成的作品及未來的作品也只能由華藝網獨家代理銷售。」  受害藝術家之一、師範大學美術系主任莊連東表示,除百大藝術家外,也有不少新銳藝術家與華藝網簽約,但礙於金錢壓力、不懂法律等因素,擔心無力負擔或落入誣告罪名,不敢為自己的權益挺身而出,建議文化部可再加強受害者窗口,提供專業協助。  莊連東透露,當初華藝網利用文建會名義與藝術家簽約,向藝術家與文化部展示的文書內容卻不同,給藝術家的文書印有文建會Logo,給文建會的卻沒有,文化部也應針對這部分提出告訴,加重華藝網非法性。  李永得表示,華藝網一案是台灣有史以來最大宗的藝術詐騙案,藝術家與華藝網簽下的合同如同賣身契,凡售出作品就要支付40%的收入給華藝網。前文化部長鄭麗君時期,文化部就開設窗口,讓受害藝術家前來登記,文化部謹慎面對此事,也協助受害藝術家向法院提告。

  • 劇場再進化 透視政治紛爭 凝視世紀大疫

    劇場再進化 透視政治紛爭 凝視世紀大疫

     順應疫情需保持安全防疫距離的狀態,藝術家林人中策畫作品《島嶼酒吧:如果雲知道(無碼)》,當觀眾走進劇場,會分別坐在電腦螢幕前,和坐在螢幕另一端,位於世界各地的藝術家談話,並順應心情,現場自己動手調製一杯專屬飲料,林人中表示,「未來這種虛實相互結合的創作,會是一大趨勢。」  台北藝術節自2018年開始,每年在台北中山堂或酒館演出作品《島嶼酒吧》,每年有不同策展人策畫不同主題,帶領觀眾進到空間,和藝術家談天,交換生命故事,一起調製專屬飲料。今年因疫情爆發,各國藝術家無法來台,同時考量安全社交距離,特別改成讓藝術家和觀眾透過網路視訊連線對話。  經歷這波疫情,林人中觀察,人與人之間,線上溝通似乎真的漸漸取代面對面交流的方式,這次的呈現方式,讓觀眾既能走進劇場親身參與,也能感受線上溝通的遠距離感,「觀眾不單單是坐在家裡和藝術家連線,到了現場,也不能真正地和藝術家見到面,可說是一場遊走在虛擬與真實之間的表演。」  林人中表示,要同時整合線上演出和現場觀眾之間的關係,成為這次演出的挑戰,「當觀眾走進劇場,要用什麼樣的動線參與和藝術家的線上對話,周圍的劇場會有什麼要素,以及當下的氛圍和空間,帶給身體的感覺,這些都是線上直播做不到的事。」  這大半年來,林人中在巴黎家裡透過視訊和各地藝術家溝通和工作,也是同步在整合線上和真實世界,他表示,「網路和視訊,創造出另外的表演空間,藝術家的身體在視訊鏡頭裡,和在劇場、美術館裡的呈現不一樣,觀眾觀看的角度也大不同。」  然而,林人中表示,即使網路工作的好處多,資訊傳輸快速,但還是有很多細節,需要回歸到現場呈現,「對於仰賴現場演出的表演藝術而言,對身體的感覺,還有觀眾給演出者的回饋,這些都是視訊排練,無法捕捉到的東西。」演出將於9月4日到6日,在台北市中山堂中正廳登場。

  • 中時藝博會 庶民藝術零距離

    中時藝博會 庶民藝術零距離

     「不論是新秀藝術家或初入藝博會的民眾,這都是一個親切友善的平台。」2020「台灣經典-秋」第一屆中時藝術博覽會,4日晚間在時報大樓2樓舉辦VIP之夜,策展人潘蓬彬直言,當藝術品、拍賣會距離庶民生活太遙遠便失去了意義,秉持「真愛台灣、藝術平權、庶民參與」的理念,希望讓更多本土藝術作品走入民眾的日常生活。  VIP之夜上,多位參展藝術家、畫廊業者、世界華人企業家聯合總會、貓頭鷹藝術協會台灣藝術博覽會主辦單位等均到場觀展交流,氛氛熱絡。潘蓬彬表示,對於藝術家而言,除了作品被收藏,能夠有個平台讓更多人看到,別具意義。  此次參展藝術家之一的傅紫菁,便是熱愛寫生,藉此親近土地的藝術家,她表示自己喜歡探訪在城市中的歷史建築,也藉著寫生進一步考據建築的歷史變革,如西門紅樓曾經是電影院,而今成為文創市集,因此她在畫作中除了呈現建築物的優美八角造型,也特別加上穿著時尚的年輕人,象徵著時代的連結。  傅紫菁畫中的漁人碼頭,有「台版威尼斯彩色島」之稱的基隆正濱漁港,看來都有著異國風情,傅紫菁也笑稱:「雖然疫情後流行類出國,但我仍喜歡在畫面中表現出台灣特色」如漁人碼頭以觀音山為背景,正濱漁港有著台灣的海巡船和基隆的煙囟襯景,她希望觀者也能透過作品親近台灣。  參展藝術家王中秀則多以愛為主題,藉著花、甜點、可愛的小動物等主題,透過畫傳達真、善、美、堅強、勇氣等生命中珍貴的養分,希望讓觀者有著幸福感,也在會心一笑的同時感受輕鬆療癒。  潘蓬彬表示,此次藝術博覽會既有得獎、受美術館典藏作品的藝術家,也有新銳藝術家,甚至有畫廊主特別到場當「星探」,而作品相對平價,對藝術家和民眾而言,都是培養進入藝術市場的入門磚。

  • 虛實交錯 與掃地機器人共舞

    虛實交錯 與掃地機器人共舞

     透過網路直播鏡頭,近距離欣賞舞者跳舞,甚至可看見毛細孔與汗珠滴落,或是走進藝術家的房間,看看藝術家平常怎麼掃地。由藝術家林人中擔任策展的作品《FW:牆壁地板動作》,在虛擬的網路平台上演真人秀,帶觀眾看見藝術家較少在舞台上展現的一面。  林人中表示,創作概念來自美國藝術家布魯斯.瑙曼在1968年發表的經典作品《牆壁地板動作》,整部作品是在鏡頭前表演,在有限的視角之下,尋找身體和空間、牆壁的垂直面、地平面三者之間的關係,「他在50年前就提出這樣的觀看視角,現在網路開直播表演的空間,有類似的想法,當藝術家的身體離開劇場、美術館,待在鏡頭前,會有什麼不同的表現和觀看方式,是未來的趨勢。」  走進藝術家房間  參與演出的藝術家之一李宗軒,曾是雲門舞者,他表示他的演出選定在自己的房間,並帶大家從特殊角度,近距離觀看他在房間裡如何鍛鍊身體,「這段表演,並不展現特殊鏡位,或是明確讓觀眾知道:表演開始了。我想打破表演者和觀眾的界線,呈現的方式,有如觀眾誤闖入一個空間,帶著一點距離,觀察我的動態。」  李宗軒表示,在網路世界裡的表演,透過特別的安排,能更貼近表演者,「甚至可以看到毛細孔,或是冒汗,這是坐在劇場看不見的細節,也會是未來演出可發展的趨勢。」  另一位參與演出的田孝慈是一名舞者,她想透過在鏡頭前的演出,探討台北地狹人稠的居住空間,她表示在台北的套房,坪數不大,卻要在有限的空間裡,區分出床鋪、工作和生活空間,為此,她特地向朋友借了房間,作為表演場地。  零距離的觀看經驗  田孝慈表示,她將在架高快靠近天花板的床舖上做瑜伽 ,「在那個空間裡,背無法挺直,腰要前彎也很難,但需要努力伸展,像是在台北的居住環境一樣,雖然狹小,但身體仍要努力伸展,同時回應疫情年代,人與人保持距離,卻仍需運動的狀態。」

  • 到劇場和藝術家聊心事 調製專屬飲料

    到劇場和藝術家聊心事 調製專屬飲料

    順應疫情需保持安全防疫距離的狀態,藝術家林人中策畫作品《島嶼酒吧:如果雲知道(無碼)》,當觀眾走進劇場,會分別坐在電腦螢幕前,和坐在螢幕另一端,位於世界各地的藝術家談話,並順應心情,現場自己動手調製一杯專屬飲料,林人中表示,「未來這種虛實相互結合的創作,會是一大趨勢。」 台北藝術節自2018年開始,每年在台北中山堂或酒館演出作品《島嶼酒吧》,每年有不同策展人策劃不同主題,帶領觀眾進到空間,和藝術家談天,交換生命故事,一起調製專屬飲料。今年因疫情爆發,各國藝術家無法來台,考量安全社交距離,特別改成讓藝術家和觀眾透過網路視訊連線對話。 經歷這波疫情,林人中觀察,人與人之間,線上溝通似乎真的漸漸取代面對面交流的方式,這次的呈現方式,讓觀眾既能走進劇場親身參與,也能感受線上溝通的遠距離感,「觀眾不單單是坐在家裡和藝術家連線,到了現場,也不能真正地和藝術家見到面,可說是一場遊走在虛擬與真實之間的表演。」 林人中表示,要同時整合線上演出和現場觀眾之間的關係,成為這次演出的挑戰,「當觀眾走進劇場,要用什麼樣的動線參與和藝術家的線上對話,周圍的劇場會有什麼要素,以及當下的氛圍和空間,帶給身體的感覺,這些都線上直播做不到的事。」 這大半年來,林人中在巴黎家裡透過視訊和各地藝術家溝通和工作,也是同步在整合線上和真實世界,他表示,「網路和視訊,創造出另外的表演空間,藝術家的身體在視訊鏡頭裡,和在劇場、美術館裡的呈現不一樣,觀眾觀看的角度也大不同。」 然而,林人中表示,即使網路工作的好處多,資訊傳輸快速,但還是有很多細節,需要回歸到現場呈現,「對於仰賴現場演出的表演藝術而言,對身體的感覺,還有觀眾給演出者的回饋,這些都是視訊排練,無法捕捉到的東西。」演出將於9月4日到6日,在台北市中山堂中正廳登場。

  • 林人中開直播 帶觀眾走進藝術家閨房

    林人中開直播 帶觀眾走進藝術家閨房

    透過網路直播鏡頭,近距離欣賞舞者跳舞,甚至可看見毛細孔與汗珠滴落,或是走進藝術家的房間,看看藝術家平常怎麼掃地。由藝術家林人中擔任策展的作品《FW:牆壁地板動作》,在虛擬的網路平台上演真人秀,帶觀眾看見藝術家較少在舞台上展現的一面。  林人中表示,創作概念是來自美國藝術家布魯斯.瑙曼在1968年發表的經典作品《牆壁地板動作》,整部作品是在鏡頭前表演,在有限的視角之下,尋找身體和空間、牆壁的垂直面、地平面三者之間的關係,「他在50年前就提出這樣的觀看視角,現在在網路開直播表演的空間,有類似的想法,當藝術家的身體離開劇場、美術館,待在鏡頭前,會有什麼不同表現和觀看的方式,是未來的趨勢。」  參與演出的藝術家之一李宗軒,曾是雲門舞者,長期從事馬戲表演和創作,他表示他的演出將選定在自己的房間,並帶大家從特殊角度,近距離觀看他在房間裡如何鍛鍊身體,「這段表演,並不展現特殊鏡位,或是明確讓觀眾知道:表演開始了。我想打破表演者和觀眾的界線,呈現的方式,有如觀眾誤闖入一個空間,帶著一點距離,觀察我的動態。」  李宗軒表示,在網路世界裡的表演,透過特別的安排,能更貼近表演者,「甚至可以看到毛細孔,或是冒汗,這是坐在劇場看不見的細節,也會是未來演出可發展的趨勢。」  另一位參與演出的田孝慈表示,是一名舞者,她想透過在鏡頭前的演出,探討台北地狹人稠的居住空間,她表示在台北的套房,坪數大多不大,卻要在有限的空間裡,區分出床鋪、工作和生活空間,為此,她特地向朋友借了房間,作為表演場地。  田孝慈表示,她將在架高快靠近天花板的床舖上做瑜珈,「在那個空間裡,背無法挺直,腰要前彎也很難,但需要努力伸展,像是在台北的居住環境一樣,雖然狹小,但身體仍要努力伸展,同時回應疫情年代,人與人保持距離,卻仍須運動的狀態。」  《FW:牆壁地板動作》將於8月12日至16日,在台北表演藝術中心亞當計畫網站上直播。

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